Verano en Louisiana

Dirección: Robert Mulligan.

Guion: Jenny Wingfield.

Música: James Newton Howard.

Fotografía: Freddie Francis.

Reparto: Sam Waterston, Tess Harper, Gail Strickland, Reese Witherspoon, Jason London, Emily Warfield, Ernie Lively, Dennis Letts, Bentley Mitchum. 

Dani (Reese Witherspoon) es una niña de catorce años que está pasando de la infancia a la adolescencia. Al conocer a su nuevo vecino Court (Jason London), de diecisiete años, no tarda en enamorarse perdidamente de él.

Verano en Louisiana (1991) supone el debut en el cine de Reese Witherspoon, que demuestra un talento inmenso, convirtiendo sus escenas en un regalo maravilloso, en contraste con la hermosa pero acartonada Emily Warfield.

La cinta también es la última de su director, que eligió como despedida un tema muy similar a su Verano del 42 (1971), sobre el despertar al amor de una adolescente en este caso.

La película cuenta una historia bastante sencilla que en buena medida refleja los sentimientos e ilusiones de una adolescente que comienza a sentirse mayor aunque sin serlo del todo. Falta, eso sí, más profundidad a la hora de abordar el tema, pues Mulligan parece preferir recrearse en escenas hermosas y sentimentales que componen un relato muy tierno pero un tanto superficial.

Verano en Louisiana se acerca más a un cuento que a una historia real. Todos los personajes principales son buenas personas, siempre con pensamientos positivos, cariñosos y comprensivos. El acierto de Mulligan tal vez resida en que, con ese material, consigue que la película no se convierta en un drama excesivamente edulcorado, si bien en el tramo final no puede evitar algunos momentos un tanto lacrimógenos.

Sin duda, una cinta que refleja bien el talante del director, con su gusto por historias románticas y tiernas y su tratamiento, donde la estética y el buen gusto se imponen siempre.

Vidas rebeldes

Dirección: John Huston.

Guion: Arthur Miller.

Música: Alex North.

Fotografía: Russell Metty.

Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Thelma Ritter, Eli Wallach, James Barton, Kevin McCarthy, Estelle Winwood. 

Roslyn Tabor (Marilyn Monroe) llega a Reno para divorciarse. Allí conocerá a Gay (Clark Gable), un viejo vaquero del que se enamora.

Hay películas cuyo valor histórico es más importante que su calidad intrínseca y este es el caso de Vidas rebeldes (1961), un largometraje que ha pasado a la historia por ser la última película de Marilyn Monroe y de Clark Gable, que moriría pocos días después de finalizar el rodaje de un ataque al corazón.

La película es un retrato de unos perdedores, gente desubicada, inadaptada y, en medio de ellos, aparece Roslyn, una hermosa mujer capaz de despertar en ellos viejas pasiones dormidas. Sin embargo, ella misma es otra inadaptada, medio niña, medio mujer, deseada por los hombres pero en realidad sola, incapaz de compartir su vida con alguien. Y triste, como le dice Gay, la mujer más triste que ha conocido.

Arthur Miller, casado entonces con la actriz aunque ya con el matrimonio roto, escribió un guión en el que es fácil confundir a la actriz con el personaje. Por ello la historia cobra una inesperada vida que se proyecta más allá de la pantalla y se vuelve más dolorosa y más real.

Sin embargo, como obra cinematográfica, Vidal rebeldes es un film pretencioso y algo confuso, con un intento manifiesto de ofrecernos retratos de seres atormentados que parecen demasiado forzados como para resultar cercanos. 

Intenta ser el retrato de personas que están perdiendo su lugar en el mundo por los cambios que llevan al final de su manera de vivir y de entender la vida. Es la civilización devorando a los últimos rebeldes. El problema es el tono tan frío, tan rebuscado en que se expresa todo y donde Miller parece más preocupado de soltar frases lapidarias que de crear una historia cercana.

En todo caso, John Huston consigue crear un relato cuyo dinamismo se sobrepone a los largos diálogos y, con la fotografía de Russell Metty, imprime carácter y cierta belleza a la historia. A esto hemos de añadir la presencia de un reparto sublime. Marilyn Monroe, siempre con ese no se qué que la hacía mucho más atractiva de lo que era en realidad, es una delicia; sin embargo, con quién más he disfrutado es con Clark Gable; no es el de sus mejores años, pero imprime un carácter a la historia solo al alcance de las grandes estrellas de Hollywood.

Vidas rebeldes pertenece a esa curiosa corriente literaria y cinematográfica en dónde personas extrañas viven situaciones cercanas. Sinceramente, prefiero las películas de personas cercanas viviendo situaciones extraordinarias.

¿Y qué tendrá que ver el amor?

Dirección: Shekhar Kapur.

Guion: Jemima Khan.

Música: Nitin Sawhney.

Fotografía: Remi Adefarasin.

Reparto: Lily James, Shazad Latif, Emma Thompson, Shabana Azmi, Sajal Aly, Taj Atwal, Oliver Chris, Asim Chaudhry, Jeff Mirza.

Zoe (Lily James) es documentalista y cuando sus productores le rechazan sus nuevos proyectos, les propone documentar la boda concertada de su vecino paquistaní Kaz (Shazad Latif).

Digamos antes de nada que ¿Y qué tendrá que ver el amor? (2022) no nos propone nada que no hayamos visto cientos de veces en las comedias románticas: pareja de protagonistas que se aman pero siguen caminos separados hasta que, como es de esperar, al final terminan rindiéndose al amor mutuo que sienten.

El toque original en este caso viene de la mano de la tradición en países musulmanes de concertar las bodas. Sin duda, es un punto de partida novedoso y, además, hay que añadir que la manera en que se presenta el tema, y todo lo relacionado con él, se hace de un modo respetuoso y con muy buen gusto. En realidad, una de las virtudes de la película es esa: el buen tono con el que está desarrollada, sin caer en vulgaridades ni en esos intentos desesperados por resultar graciosas que vemos tan a menudo en comedias similares. La única nota discordante es el personaje de Emma Thompson, cuyo histrionismo destaca negativamente. Una pena, pues el talento de la actriz merecía un personaje menos ridículo. Aún así, Thompson sigue maravillándonos con una naturalidad muy por encima de su papel.

Pero sin duda quien se lleva la palma en la película es Lily James, que derrocha encanto por los cuatro costados. Me pareció encantadora y el alma sin duda de la historia.

Otro gran acierto del guión es que el conflicto entre los protagonistas, su evolución y la resolución final del mismo están llevados con gran precisión. Todas las piezas encajan a la perfección, evitando caer en situaciones forzadas o ridículas. Con ello, a pesar de asistir a una historia muy vista, somos capaces de compartir y comprender los problemas planteados y disfrutar, si nos gusta este tipo de fórmula, de una bonita historia muy bien contada. Además, el detalle de los cuentos infantiles con el que comprendemos los problemas y dudas de Zoe me pareció un recurso precioso que encaja muy bien en el relato.

Eso sí, esta película es para aquellos que adoran este tipo de historias. No ofrece nada nuevo, no tiene lecturas profundas ni mensajes trascendentales; es una simple historia de amor, con algunos momentos algo edulcorados, que convencerá a muchos y aburrirá a otros tantos. Pero, sabiendo lo que ofrece, creo que es un film más que aceptable. 

El círculo

Dirección: James Ponsoldt.

Guion: James Ponsoldt y Dave Eggers (Novela: Dave Eggers).

Música: Danny Elfman.

Fotografía: Matthew Libatique.

Reparto: Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Ellar Coltrane, Patton Oswalt, Glenne Headly, Bill Paxton.

Cuando Mae Holland (Emma Watson) es contratada por la empresa más poderosa de internet, El círculo, se siente realmente afortunada. Además, en poco tiempo pasará a ser uno de los rostros más conocidos de la misma.

El círculo plantea un debate que en 2017, el año de su estreno, parece ya demasiado obvio: la peligrosidad de estar controlados por las redes, la ausencia de libertad y privacidad por culpa de una sociedad en la que cada vez estamos más expuestos.

Para poder darle a la idea cierta fuerza dramática, el guión otorga a la empresa protagonista un poder a nivel mundial realmente asombroso, influyendo hasta en muchos gobiernos.

El problema, como decía, es hacer una película con estos mimbres en 2017, cuando el debate resulta innecesario. Las obras de ciencia ficción nos advertían de problemas futuros, algunos que nunca vieron la luz, y ahí radicaba su fuerza. Pero advertirnos de algo que ya conocemos y padecemos es algo inútil. Pero sobre todo al hacerlo con tan poca profundidad y calidad.

Las ideas que se muestran en El círculo son tan básicas que más que miedo dan risa. Es todo tan pueril que jamás nos tomamos nada de lo que se cuenta en serio. Al lado de ello, tenemos unos personajes que no se sienten reales. Mae, por ejemplo, no termina de definirse con cierta coherencia y, por eso, sus decisiones parecen arbitrarias o sencillamente idiotas. Pero lo que le pasa a ella le ocurre al resto de personajes, que no tienen profundidad y, la mayoría de ellos, ni interés. Al principio, se puede pensar que irán desarrollándose conforme avance la cinta, pero no es así y se quedan en muy poca cosa.

Con todo ello, es fácil adivinar la falta absoluta de dramatismo en lo narrado. No pasa nada relevante durante casi toda la cinta y, cuando al fin el guión intenta sacudirnos del asiento con algo que debería ser relevante, la puesta en escena es rutinaria y el efecto es mínimo. Incluso el final es tan anodino que nos quedamos esperando que no sea ese, sino que algo más tiene que pasar después. Y no es así. No hay más porque tampoco hubo nada antes.

Y tampoco encontraremos refugio en el tema del reparto. Es verdad que la presencia de Tom Hanks es un aliciente, pero su participación no es tan determinante como podría esperarse y en relación a Emma Watson, creo que le falta bastante para ser la figura que pueda llevar el peso de una película sobre sus hombros.

De verdad, es casi surrealista terminar de ver la película y pensar que no hemos visto nada de nada.

No me mandes flores

Dirección: Norman Jewison.

Guion: Julius Epstein (Obra: Norman Barasch y Carroll Moore).

Música: Frank De Vol.

Fotografía: Daniel Fapp.

Reparto: Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Paul Lynde, Clint Walker, Hal March, Edward Andrews, Patricia Barry, Clive Clerk, Dave Willock, Aline Towne, Helene Winston, Christine Nelson.

George Kimball (Rock Hudson) es un hipocondríaco que, pensando que va a morir pronto, intenta asegurar el futuro de su esposa (Doris Day). 

Rock Hudson y Doris Day fueron grandes estrellas a mediados del siglo pasado, por lo que no fue raro que Hollywood quisiera aprovecharse de ello juntándolos en tres comedias, Confidencias a medianoche (Michael Gordon, 1959), Pijama para dos (Delbert Mann, 1961) y No me mandes flores de 1964, dando lugar a una de las parejas más populares de aquellos años.

He de reconocer que este tipo de cine no es de mi agrado. En aquella época, estas comedias representaban una manera de entender la vida y el cine muy concretos, ofreciendo una imagen edulcorada de la realidad, difundiendo el estilo de vida americano como algo idílico, mostrando una clase media pudiente y feliz, como si la vida fuera un cuanto de hadas.

Otro defecto de este cine es que el humor del que hace gala es bastante burdo, sin mucha imaginación, por lo que hoy en día resulta bastante desfasado, con bromas demasiado infantiles. Pensemos que son productos enfocados a las familias de entonces y el mundo ha cambiado demasiado.

A pesar de todo, bien como productos típicos para conocer una época o bien por el mero placer cinéfilo, No me mandes flores es una comedia bastante agradable de ver. Como toda comedia romántica, se crea un conflicto que resulta algo simplista e infantil para dar pie al enfrentamiento entre el matrimonio protagonista, sin embargo, también hay que reconocer que en medio de un humor mediocre encontramos algunas pequeñas notas de calidad que, aunque no suponen un crecimiento cualitativo importante, sí que nos deparan algunos buenos momentos, sobre todo en la segunda mirad de la cinta, que la elevan un poco sobre otras películas similares.

Pero el atractivo de No me mandes flores residía entonces en la pareja protagonista: Rock Hudson y Doris Day. Él era un arquetipo del americano sano, fuerte y guapo, aunque acabaría por descubrirse la mentira de Hollywood, que ocultó su homosexualidad hasta que la realidad terminó por salir a la luz. Doris Day era por su parte el modelo de belleza de clase media: dulce, simpática, encantadora y recatada. Y aunque esos modelos hayan pasado de moda, es indudable que desprendían cierto encanto que se ha mantenido hasta el presente. Funcionan muy bien como pareja y, a favor de Hudson, su hombría no es pétrea y se encuentran puntos de debilidad que añaden humanidad a su personaje.

Estamos pues ante una comedia no especialmente brillante, pero es un magnífico ejemplo de su época y no está demás poder disfrutarla en su justa medida sin prejuicios.

Cualquiera menos tú

Dirección: Will Gluck.

Guion: Ilana Wolpert y Will Gluck.

Música: Este Haim y Christopher Stracey.

Fotografía: Danny Ruhlmann.

Reparto: Sydney Sweeney, Glen Powell, Alexandra Shipp, GaTa, Hadley Robinson, Michelle Hurd, Dermot Mulroney, Darren Barnet, Bryan Brown, Rachel Griffiths. 

Bea (Sydney Sweeney) y Ben (Glen Powell) se conocen por casualidad e inmediatamente se sienten atraídos el uno por el otro. Sin embargo, un malentendido los lleva a enemistarse, algo que afectará decisivamente su reencuentro en la boda de la hermana de Bea (Hadley Robinson).

Uno de los géneros más complicados es la comedia y, dentro de ella, la comedia romántica puede que se lleve la palma porque es muy sencillo caer en vulgaridades o en cursilerías varias. Mantener el pulso en este tipo de cintas es complicado.

Y buena prueba de ello la tenemos con Cualquiera menos tú (2023), dónde comprobamos que tener a una estrella como Sydney Sweeney no basta para tener un producto digno.

El guión cae en todas las tonterías posibles, desde escenas de cierto contenido sexual bastante forzadas y sin venir a cuento hasta chistes tan infantiles que producen vergüenza ajena.

Si nos centramos en la historia de amor entre Bea y Ben, comprobamos sus debilidades desde el primer minuto, cuando la ruptura entre ambos resulta demasiado temprana y sin un sustento creíble. A partir de ahí, el guión se empeña en crear situaciones forzadas que no resultan convincentes para intentar alargar el conflicto. Por ejemplo, con el tema de la boda y cómo Bea y Ben fingen estar juntos, la situación no solo parece muy artificial, sino ridícula, aderezada además con un humor burdo y que difícilmente puede resultar gracioso a personas adultas.

La esencia del problema de la película es que los personajes son tan superficiales que todo nos resulta bastante indiferente. Para que la cosa funcionara hubiera sido necesario profundizar más en Bea y Ben, que parecen simples maniquíes de cuerpos perfectos sin nada más que mostrarnos. De ahí que cuando la historia intenta ponerse más seria, profundizando en los sentimientos y problemas personales de ambos, resulte muy poco convincente.

Nada bueno que decir del final, tan poco brillante que ni siquiera nos saca una sonrisa de complicidad.

Una pena, pues la comedia romántica, bien hecha, me parece un género maravilloso, pero con Cualquiera menos tú tenemos uno de los ejemplos menos logrados.

Puñales por la espalda: De entre los muertos

Dirección: Rian Johnson.

Guion: Rian Johnson.

Música: Nathan Johnson.

Fotografía: Steve Yedlin.

Reparto: Daniel Craig, Josh O'Connor, Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack, Thomas Haden Church, Jeffrey Wright, Annie Hamilton.

 El joven reverendo Jud Duplenticy (Josh O'Connor) es enviado para ayudar al díscolo Monseñor Wicks (Josh Brolin) en su parroquia. Cuando este muere asesinado en extrañas circunstancias, el detective Benoit Blanc (Daniel Craig) acude a resolver el misterio.

Tercera entrega de la serie inaugurada por Puñales por la espalda (Rian Johnson, 2019) y que continuó en 2022 Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion (Rian Johnson).

En esta entrega del año 2025, Rian Johnson, sin dejar de lado los toques de humor, adopta un enfoque mucho más serio, con elementos incluso de cine de terror, ofreciendo un espectáculo resultón que mantiene el toque peculiar de la saga.

La película se apoya en una fórmula que lleva muchísimo tiempo funcionando: plantear un crimen en apariencia irresoluble y llevar al espectador, de la mano del misterio, hasta la resolución final. Es algo que siempre funciona si se tiene el sentido común de no engañar al espectador y ofrecer un espectáculo digno. 

Y comenzando con un reparto muy logrado, Johnson reúne los elementos necesarios para su propósito: ofrecer una película que nos entretenga durante toda la duración de la misma, algo que consigue a pesar de las más de dos horas de metraje.

La clave de todo es una puesta en escena cuidada, un ritmo que no de lugar a tiempos muertos y un derroche de palabrería que nos mantenga expectantes y le de a los personajes el empaque necesario para construir un relato con cierta profundidad. Es verdad que lo que se persigue no es hacer una película de denuncia o crítica, sino un simple entretenimiento, pero todo juega su papel para amueblar debidamente la propuesta.

Se puede achacar lo rebuscada de la solución, pero ello no la hace inverosímil, con lo que el director evita uno de los fallos más recurrentes del género: presentar una solución que defraude al espectador. En este caso, aceptamos la solución que, aunque retorcida, resulta también bastante bien elaborada y con cierto sentido.

No es que la película vaya a marcar época, pero no creo que sea lo que se buscara, sino ofrecer un producto de cierta calidad dentro de la premisa de un consumo de masas sin demasiadas exigencias. Cumple con lo que se espera de ella y eso es de agradecer.