La mujer que camina delante

Dirección: Susanna White.

Guion: Steven Knight.

Música: George Fenton.

Fotografía: Mike Eley.

Reparto: Jessica Chastain, Michael Greyeyes, Sam Rockwell, Ciarán Hinds, Chaske Spencer, Bill Camp. 

Al enviudar, Catherine Weldon (Jessica Chastain) decide retomar su afición por la pintura y viaja hasta Dakota con la intención de hacerle un retrato al jefe sioux Toro Sentado (Michael Greyeyes). 

La mujer que camina por delante (2017) es de esas películas que, antes de verla, me hacía sospechar de su pretenciosidad desde el mismo título. Y no suelo tener una buena predisposición ante este tipo de historias.

Sin embargo, la primera parte de la película me pareció muy interesante y, además, la belleza plástica (fotografía, paisajes, ambientación) no me resultaba pedante, sino que parecía complementar con acierto lo narrado, dónde se agradecía algún detalle de humor que refrescaba la historia.

El problema viene después, cuando la película avanza sin llegar a alcanzar la profundidad ni la intensidad que necesitaba un relato como este. El hecho de que a mitad de la cinta me sintiera cansado y tuviera que tomarme un respiro delataba las carencias dramáticas de La mujer que camina delante, porque tras el prometedor comienzo, la historia empieza a decaer en secuencias hermosas pero un tanto vacías. No hay nada que te saque del lento sopor en que Susanna White te va metiendo, ni siquiera cuando el relato al fin parece llegar a los momentos críticos.

Puede que la culpa esté en que la relación de Catherine y Toro Sentado no ofrezca más que amagos de llegar a algo más que una admiración mutua. Puede que los personajes no alcancen la profundidad necesaria, tanto la pareja protagonista como los secundarios, que siempre son una pieza fundamental en cualquier drama que se precie y que aquí están muy poco presentes. Puede que falte un malo bien definido, fundamental en cualquier historia.

En todo caso, La mujer que camina delante es tan hermosa por fuera como fría por dentro, fallando precisamente en lo fundamental: contagiarnos de la pasión de Catherine, hacer que nos angustiemos con la situación de los indios, conseguir que lloremos con la muerte de Toro Sentado. En lugar de ello, asistimos a una historia sin emoción, un relato hermoso, pero un tanto insulso y previsible.

Buscando un amigo para el fin del mundo

Dirección: Lorene Scafaria.

Guion: Lorene Scafaria.

Música: Jonathan Sadoff y Rob Simonsen.

Fotografía: Tim Orr.

Reparto: Steve Carell, Keira Knightley, Adam Brody, Martin Sheen, Connie Britton, Tonita Castro, William Petersen, Derek Luke, Patton Oswalt, Melanie Lynskey.

Se acerca el fin de mundo: un asteroide chocará contra la tierra y será el fin de la Humanidad. La gente reacciona de muy distintas maneras ante ese hecho. Dodge (Steve Carell), abandonado por su esposa cuando conoció la noticia, decide ir en busca de su primer gran amor.

Una historia de amor con el trasfondo del fin del mundo, sin duda un planteamiento original que al menos busca sorprender al espectador y, además, añade un toque dramático al relato que Lorene Scafaria intenta aprovechar como puede.

El problema es que, al final de Buscando un amigo para el fin del mundo (2012), me quedé con la sensación de que la idea original tenía mucho más recorrido del que finalmente logra mostrarnos Scafaria.

Ya en el comienzo tuve la impresión de que la historia corría más rápido de lo necesario, sin aprovechar situaciones interesantes que habrían dado mucho más juego, como la relación de Dodge con su esposa o el momento en que ella lo abandona.

Tampoco el tema del fin del mundo se aprovecha del todo, aunque es cierto que se puede entender porque no es una película centrada en ese detalle, sino en cómo ese hecho afecta a los protagonistas. Pero de nuevo parece otro tema desaprovechado.

Sin embargo, lo más grave es no sacar el jugo al tema central: el enamoramiento de Dodge y su vecina Penny (Keira Knightley). Aquí si que entramos en un fallo bastante serio, porque de eso sí que iba la historia y es algo triste comprobar lo mal planteada y desarrollada que está esa idea, de manera que casi nos coge por sorpresa el hecho de ver que Penny sienta algo por Dodge cuando, de estar correctamente planteada, tendríamos que haber vivido esa historia plenamente desde el principio.

También Lorene Scafaria se pierde en algunos detalles banales o incluso prescindibles que no aportan gran cosa y sí que impiden que el romance verdaderamente importante tenga el protagonismo necesario. 

Lo equilibra con breves momentos íntimos de cierto nivel, pero en general son pocos para compensar los otros fallos.

Incluso Steve Carell me decepcionó por su pasividad a lo largo de la película. Es verdad que encarna a un personaje roto, pero podría cambiar alguna vez su expresión.

En conjunto, la película se deja ver, el problema es que creo que la historia ofrecía muchas más posibilidades y te quedas algo decepcionado del resultado final. 

Un invierno en la playa

Dirección: Josh Boone.

Guion: Josh Boone.

Música: Mike Mogis y Nate Walcott.

Fotografía: Tim Orr.

Reparto: Greg Kinnear, Jennifer Connelly, Lily Collins, Logan Lerman, Nat Wolff, Liana Liberato, Kristen Bell. 

A pesar del tiempo transcurrido, el novelista Bill Borgens (Greg Kinnear) sigue esperando que su esposa Erica (Jennifer Connelly) regresa a casa. Mientras, sus hijos Samantha (Lily Collins) y Rusty (Nat Wolff) comienzan una nueva relación.

Debut de Josh Boone, que escribe y dirige esta comedia romántica que por suerte tiene más luces que sombras y eleva el nivel de lo que habitualmente nos ofrece este género.

Un invierno en la playa (2012) se centra básicamente en los problemas de la familia Borgens con el amor. Bill, a pesar de que su exmujer se ha vuelto a casar, sigue esperándola, incapaz de pasar página y dejar de cumplir su promesa de esperarla. Rusty vive un amor platónico, hasta que, animado por su padre, decide dar un paso adelante y, aunque acaba consiguiendo a la chica de sus sueños, Kate (Liana Liberato), también conocerá su lado oscuro. Por su parte, Samantha (Lily Collins), sin recuperarse del trauma de la infidelidad de su madre, evita comprometerse por miedo al sufrimiento.

Como se ve, todo gira en torno a un único tema: el amor y, si bien no podemos esperarnos unas reflexiones muy profundas ni novedosas sobre el tema, Josh Boone al menos tiene el acierto del buen gusto y la mesura, sin caer nunca en excesos. Es verdad que a veces roza la pedantería, en especial con esa redundancia con el tema de los escritores (el padre y los dos hijos), y casi cae en la cursilería con la banda sonora y algunas citas literarias, pero en general el tono se mantiene en los límites de lo aceptable y el resultado es una película agradable de ver que, sin dejar de ser superficial, aborda el tema del amor desde el respeto y el sentido común.

Tal vez se le podría achacar al director el caer en lo fácil, con un final demasiado perfecto y que, aunque reconfortante, no es demasiado convincente, sobre todo en el tema de Bill y Erica, cuya relación se trata con muy poca profundidad y su reconciliación parece demasiado precipitada y poco creíble.

En lo que sí acierta la producción es con el reparto. Greg Kinnear es un actor que cae bien, no es una figura de primera fila, pero cumple siempre. Jennifer Connelly está a su altura, si bien su participación es más breve de lo deseado. Pero es Lily Collins la que me pareció más en forma, también es cierto que su personaje es el más complejo y el que ofrece por lo tanto más juego, pero ella sabe darle encanto y sentido.

Resumiendo, una película amable, sencilla y que, sin ser perfecta, funciona por mantenerse dentro de lo razonable.

Dreamland

Dirección: Miles Joris-Peyrafitte.

Guion: Nicolaas Zwart.

Música: Patrick Higgins y Miles Joris-Peyrafitte.

Fotografía: Lyle Vincent.

Reparto: Finn Cole, Margot Robbie, Darby Camp, Travis Fimmel, Kerry Condon, Hans Christopher. 

Cuando el joven Eugene Evans (Finn Cole) encuentra a Allison Wells (Margot Robbie), una ladrona de bancos perseguida por la justicia, en su granero, se enamora de ella y decide ayudarla.

Película sin duda ambiciosa, el relato de la voz en off le da ese aire de cuento casi mágico que tan bien suele funcionar cuando se hace correctamente, Dreamland (2019) propone mucho más de lo que finalmente acaba ofreciendo.

El inicio es sin duda lo mejor de la película, cuando nos enfrenta a la realidad de unos granjeros castigados por la sequía y un niño abandonado por su padre, lo que marcará su vida en adelante.

Sin embargo, a partir de la aparición de Allison, que es cuando la historia debería crecer en emoción e intensidad, es cuando Dreamland empieza a mostrar sus fisuras, que son básicamente las de un guión que no consigue plasmar eficazmente la supuesta fascinación que siente Eugene al encontrarse a una mujer más madura y tremendamente atractiva. Y esa es la esencia de la película: cómo un joven inexperto puede perder la cabeza por una mujer envuelta en un aire de aventura y peligro hasta el punto de sacrificarlo todo por ella. Sin embargo, no vemos nada de eso reflejado con la eficacia necesaria y el romance o enamoramiento del joven queda demasiado descafeinado como para imprimir fuerza y dramatismo a lo que sucede después.

La secuencia de la ducha, por ejemplo, parece buscar más la estética que la profundidad y se queda en casi nada: no funciona como medio para adentrarnos en la emoción de momento y visualmente me pareció torpe e ineficaz.

Tampoco las imágenes de los sueños de Eugene, intercaladas en momentos clave, resultan demasiado convincentes. Y mucho menos aún el papel de Phoebe (Darby Camp), la hermanastra pequeña de Eugene, a la que dotan de un grado de madurez en su comportamiento del todo incongruente con su corta edad; algo que hubieran solucionado fácilmente haciendo que fuera unos años mayor.

El desenlace, lastrado por la falta de intensidad precedente, no nos produce la conmoción que seria de esperar quedando, como el resto de Dreamland, como algo con pretensiones, de muy cuidada presentación, pero que no logra funcionar del todo. Se deja ver, pero sin convencer del todo.

El último beso del káiser

Dirección: David Leveaux.

Guion: Simon Burke (Novela: Alan Judd).

Música: Ilan Eshkeri.

Fotografía: Roman Osin.

Reparto: Lily James, Jai Courtney, Christopher Plummer, Janet McTeer, Eddie Marsan, Ben Daniels, Mark Dexter, Kris Cuppens, Anton Lesser. 

El capitán Stefan Brandt (Jai Courtney) es asignado a tomar el mando de la guardia personal del depuesto Káiser Guillermo II (Christopher Plummer), en los Países Bajos. Allí conocerá y se enamorará de la joven Mieke de Jong (Lily James), criada del káiser y espía que trabaja para Inglaterra.

El último beso del káiser (2016) se presenta como una película ambiciosa tanto por el tema abordado, un romance imposible entre dos supuestos enemigos en tiempos de guerra, como por la elegante puesta en escena, donde remarcaría la cuidada fotografía de Roman Osin. Sin embargo, como viene siendo habitual últimamente, la película cojea por un guión blando e inconsistente que no es capaz de trasmitir lo que se adivina que subyace bajo el hermoso envoltorio.

La clave en una historia romántica creo que es la perfecta definición de los personajes, así como construir su relación con unos diálogos sólidos, no solo imágenes más o menos atrevidas. Y en El último beso del káiser no tenemos nada de eso. Para empezar, el primer encuentro a solas de Stefan y Mieke es casi grotesco y, a partir de ahí, el romance se reduce a escenas de sexo no especialmente afortunadas en la manera de ser filmadas, y conversaciones tan superficiales como breves.

Es difícil empatizar con los protagonistas con esa pobre representación de lo que debería ser un amor que nos contagiase pasión. En cambio, casi permanecemos indiferentes.

La figura del káiser, por su parte, parece también de cartón piedra, con reacciones iracundas impropias de lo que se supone una persona de su rango. Y puestos a seguir con el reparto, Himmler (Eddie Marsan) tampoco da la talla: uno imagina un personaje autoritario que impone respeto y en cambio nos encontramos con un hombrecillo insulso que acepta dinero como un necesitado. Solamente encontré interesante a la esposa del káiser (Janet McTeer) y sus desesperados intentos de contentar a los nazis para intentar reponer en el trono a su esposo. Es el único personaje con un comportamiento lógico y que logra transmitirnos algo humanamente comprensible.

Y no nos paremos a analizar con demasiado rigor el argumento, pues sacaremos la conclusión de que parece ser el elemento menos elaborado de la película, repleto de situaciones forzadas, conversaciones sin sustancia y una falta de sensibilidad y profundidad alarmantes.

Una pena, pero la película no da para mucho y nos confirma la crisis de talento en el mundo de los guionistas.

Runner Runner

Dirección: Brad Furman.

Guion: Brian Koppelman y David Levien.

Música: Christophe Beck.

Fotografía: Mauro Fiore.

Reparto: Justin Timberlake, Ben Affleck, Gemma Arterton, Anthony Mackie, Sam Palladio, Oliver Cooper, Ben Schwartz, John Heard, David Costabile, Bob Gunton.

Para poder pagar su matrícula en la Universidad de Princeton, Richie Furst (Justin Timberlake) decide jugar al póquer por internet, pero es estafado y lo pierde todo. Entonces decide viajar hasta Costa Rica para hablar con el dueño del sitio dónde fue timado, el magnate Ivan Block (Ben Affleck).

He aquí una película que, por el reparto y el tema de las apuestas en línea parecía mucho más interesante sobre el papel que lo que realmente ofrece, pues Runner Runner (2013) termina perdida en medio de música latina, yates de lujo y muy poca sustancia.

Y es que lo que podría darle algo de interés a la cinta, una historia sólida, brilla por su ausencia. El argumento tiene bastantes agujeros pero, sobre todo, está muy mal planteado. El personaje de Ben Affleck es el malo de la historia, un villano bastante cínico y astuto que engañará al pobre Richie desde el principio. El problema es que el guión nos oculta este detalle hasta el final, de manera que, como el protagonista, no lo vemos venir hasta los últimos minutos, y es un error de planteamiento muy grave pues habría sido mucho más inteligente que conociéramos los planes de Ivan desde el principio, así podríamos sufrir al ver cómo enreda a Richie. 

Pero además, está claro que Richie acabará saliendo de todos los líos en los que lo meten, por lo que no hay verdadera emoción a lo largo de toda la película, a lo que contribuye el mal planteamiento al que hacía referencia antes. Una cinta como esta, en la que ni nos preocupamos durante un solo instante por el futuro del protagonista delata fallos de enfoque muy serios, que vienen sobre todo porque ninguno de los personajes principales tiene verdadera profundidad, sus perfiles son demasiado básicos y superficiales y así no llegamos a implicarnos en serio en sus problemas.

Y tampoco se aprovecha para nada la presencia de Gemma Arterton, que por un lado parece unida sentimentalmente a Ivan, pero se adivina su romance con Richie, lo cuál plantea una situación que podría dar bastante juego y otra vez vemos como el guión desaprovecha este filón, convirtiendo a Gemma en una mera pieza decorativa. Por ejemplo, su romance con Richie se reduce a un par de minutos y su relación con Ivan jamás se aclara y no aporta absolutamente nada de interés.

El final, en consonancia con la ligereza general, acaba resolviéndolo todo de un modo precipitado y torpe, de manera que ni en los minutos finales encontramos algo que nos sacuda un poco.

En definitiva, una película que desaprovecha todo lo bueno que podría tener y nos deja un pobre sabor de boca.

El ritmo de la venganza

Dirección: Reed Morano.

Guion: Mark Burnell (Novela: Mark Burnell).

Música: Steve Mazzaro.

Fotografía: Sean Bobbitt.

Reparto: Blake Lively, Jude Law, Sterling K. Brown, Max Casella, Raza Jaffrey, Richard Brake.

Stephanie Patrick (Blake Lively) ha visto arruinada su vida con la pérdida de su familia en un accidente de avión. Pero cuando descubre que no fue un accidente, su rabia la empuja a buscar venganza.

Siguiendo la estela inaugurada por Nikita (Luc Besson, 1990), El ritmo de la venganza (2020) vuelve a contarnos una historia donde una mujer es la protagonista. 

Partiendo de una vida arruinada por el dolor, que la llevó a la prostitución y las drogas, Stephanie encuentra una motivación para rehacerse como persona cuando encuentra un objetivo claro: vengar a su familia.

Asistimos a las típicas secuencias donde es entrenada duramente y, contra cualquier esperanza, alcanza el éxito.

Y entonces viene la parte de acción: las misiones que Stephanie lleva a cabo con la meta de llegar hasta el culpable final de la muerte de su familia. Debería ser lo más interesante de la película y es cierto que algunas escenas de acción y persecuciones están bien filmadas, con una cámara nerviosa que molesta un poco pero nos mete de lleno en la vorágine de la acción, sin embargo, es aquí dónde empezamos a ver las carencias del guión.

Por un lado, ese moralismo absurdo que hace que una persona que busca venganza no se atreva a matar a nadie. En sus primeras misiones, un objetivo muere por falta de oxígeno y a otro lo deja con vida. Es una completa contradicción que no tiene mucho sentido y más aún cuando al final Stephanie no duda en apretar el gatillo sin dudarlo o ejecutar fríamente su venganza.

El otro punto débil que encontramos es la flojedad del argumento, con una serie de misiones justificadas someramente, como si crear una historia sólida no fuera una prioridad, lo que acaba debilitando el entramado seriamente.

Por suerte, Blake Lively demuestra su oficio, sobre todo en la primera parte, cuando el guión se centra en mostrarnos su dolor con todo detalle. Es verdad que en esta parte sobra metraje, pues hay momentos repetitivos, pero el buen hacer de la actriz lo hace más que soportable.

Pero ello no evita que al final tengamos la impresión de que El ritmo de la venganza se queda coja en cuanto a historia, algo imperdonable, incluso en un mero pasatiempo como es esta película.