La mujer del camarote 10

Dirección: Simon Stone.

Guion: Joe Shrapnel, Anna Waterhouse y Simon Stone (Novela: Ruth Ware).

Música: Benjamin Wallfisch.

Fotografía: Ben Davis.

Reparto: Keira Knightley, Guy Pearce, David Ajala, Art Malik, Gugu Mbatha-Raw, Kaya Scodelario, David Morrissey, Daniel Ings, Hannah Waddingham, Lisa Loven Kongsli.

Laura Blacklock (Keira Knightley), una prestigiosa periodista, es invitada al yate de Anne Lyngstad (Lisa Loven Kongsli), una millonaria noruega aquejada de cáncer, para cubrir una gala benéfica de la fundación creada por el esposo de Anne.

La mujer del camarote 10 nos presenta un misterio del estilo de las novelas de Agatha Christie, pero sin la a veces tediosa explicación final con los sospechosos reunidos. Es por tanto una película que te atrapa si eres de los que les gusta este tipo de planteamientos, pero en conjunto no es una obra del todo redonda.

A favor de esta adaptación de una novela de Ruth Ware, hemos de decir que el argumento va directo al grano tras la inevitable presentación de los hechos y personajes. Y esta brevedad, hay que reconocerlo también, juega en contra de la historia, pues salvo la protagonista, el resto de personajes se quedan en muy poca cosa, cuando no en meras caricaturas que no aportan nada al desarrollo, salvo el médico de la anfitriona (Art Malik) y el marido de esta (Guy Pearce), pero sin tener tampoco profundidad alguna.

Sin embargo, esta simplicidad hace que desde muy temprano nos metamos en el meollo de la cuestión: el supuesto asesinato de una misteriosa mujer alojada en el camarote 10 del que Laura es testigo y, al estilo de Alarma en el expreso (Alfred Hitchcock, 1938), nadie dice haber visto a esa mujer, afirmando que ese camarote estaba vacío.

A partir de ahí ya no hay respiro, con Laura luchando por demostrar que está en lo cierto mientras intenta mantenerse con vida y es tachada de loca por los otros viajeros.

Así pues, la película transcurre con agilidad y la intriga nos mantiene alerta. Simon Stone consigue mantener el pulso en todo momento y en su favor hay que decir que logra sacar un buen resultado de los pocos elementos de que dispone.

Tampoco el desenlace defrauda: la trama tiene lógica, aunque resulte algo descabellada, pero al menos no resulta incoherente ni se juega con el espectador, con lo que el final, sin ser demasiado elaborado ni brillante, nos deja un aceptable sabor de boca.

La mujer del camarote 10 es pues una propuesta aceptable, pero que nadie espere contemplar una gran película, sino un simple pasatiempo que funciona aceptablemente dentro de su sencillez.

Mi año en Oxford

Dirección: Iain Morris.

Guion: Allison Burnett y Melissa Osborne (Novela: Julia Whelan).

Música: Isabella Summers.

Fotografía: Remi Adefarasin.

Reparto: Sofía Carson, Corey Mylchreest, Dougray Scott, Catherine McCormack, Harry Trevaldwyn, Esmé Kingdom, Nikhil Parmar, Poppy Gilbert. 

Anna de la Vega (Sofía Carson), tras graduarse y antes de comenzar su carrera profesional en Wall Street, acude a la Universidad de Oxford para cumplir su sueño de estudiar la poesía victoriana.  

Mi año en Oxford (2025) es la típica película romántica con protagonistas guapos que nos vende una historia de amor tan perfecta como dramática. Esto queda muy bien sobre el papel, otra cosa es llevarlo a la práctica.

Para empezar, la historia arranca en tono más bien ligero, con una presentación de los personajes algo simple, sin rodeos. Da la sensación de que las guionistas tenían prisa para meternos de lleno en el romance, que acapara todo el resto del metraje, bastante extenso, por cierto. El inconveniente de esas prisas es que no nos permiten conocer a fondo a la pareja protagonista. Es más, la imagen que obtenemos de Anna es un tanto pobre, como de alguien inmaduro, pero peor es la primera impresión que nos ofrecen de Jamie (Corey Mylchreest): un playboy infantil, cobarde y algo tonto que, para lograr que encaje en la vida de Anna, lo convierten en su improbable profesor.

Con este comienzo no es de extrañar que cueste empatizar con los protagonistas, sobre todo porque tampoco hay ninguna tensión previa a su enamoramiento, transcurriendo sus primeros encuentros de manera superficial, sin nada que aporte emoción o incertidumbre. Su encuentro y su enamoramiento están telegrafiados con absoluta falta de elaboración.

Y como todo va como de prisa y corriendo, tampoco los personajes secundarios, que suelen jugar siempre un rol más cómico que aligere la historia, son desarrollados con sentido común, sino que se meten en la trama de una manera que puede resultar precipitada. Ellos tampoco tienen la profundidad necesaria para adquirir un peso dramático y quedan como meros decorados necesarios, pero muy secundarios en todo.

Pero la clave de la historia se desvela a mirad de la misma, cuando descubrimos que Jamie padece cáncer y que Cecelia (Poppy Gilbert), la que presumíamos que era su novia, en realidad lo era de su difunto hermano, también víctima del cáncer.

Es el giro sorpresa que pretende conducirnos sin tregua de ahí hasta el final por un drama lacrimógeno de libro. Y de nuevo aquí se manifiestan las limitaciones de la película, pues lo que debería provocarnos un mar de lágrimas se queda en casi nada, pues tampoco en el drama el guión consigue llegar a convencernos de la seriedad y profundidad de sus intenciones.

Y ese es el defecto clave de Mi año en Oxford, que se queda en la superficie de las personas y de sus sentimientos, con unos protagonistas muy guapos, pero con una historia tan mal abordada que no consigue llegarnos y mucho menos emocionarnos. 

De lo poco reseñable serían algunas citas de bonitos poemas, lo único en realidad que aporta algo de profundidad y calidad a una película bonita en las formas, pero sin calidad en lo importante y que cae en todo lo menos original que puede ofrecer el género.

Detonantes

Dirección: Mouly Surya.

Guion: John Brancato, Josh Olson y Halley Gross.

Música: Enis Rotthoff.

Fotografía: Zoë White.

Reparto: Jessica Alba, Mark Webber, Tone Bell, Jake Weary, Gabriel Basso, Anthony Michael Hall, Kaiwi Lyman, Hari Dhillon. 

Parker (Jessica Alba), una militar altamente cualificada, regresa a su pueblo natal cuando le comunican la muerte de su padre.

Detonantes (2024) es una película de acción que se inscribe en esa corriente actual que le da el protagonismo a las mujeres, convirtiéndolas en una copia de los héroes de acción masculinos, pues en realidad este es un género que se mueve por lo general en terrenos muy trillados.

Los fans de Jessica Alba están pues de suerte, pues vuelve a las pantallas convertida en toda una heroína de lo más dura, pero sin perder su innegable encanto, y puede que a la postre ese sea el principal atractivo de Detonantes, porque, el guión no ofrece realmente nada novedoso.

Para empezar tenemos la típica introducción que sirve para presentarnos a la protagonista con sus habilidades en la lucha, lo que nos indica a las claras por dónde van a ir los tiros. Pero además sirve también para mostrarnos su calado moral; Parker no duda en enfrentarse a un colega si es para oponerse a actos cobardes y reprobables. Y aquí vemos claramente la simpleza y candidez del argumento.

A partir de ahí, la acción pasa al pueblo natal de Parker, en dónde descubrirá una oscura trama de tráfico de armas que es la causa de la muerte de su padre, asesinado cuando supo de dicha trama. Y es aquí dónde el guión muestra sus debilidades, pues el regreso de Parker a su pueblo está desaprovechado al no profundizar el guión en sus relaciones pasadas o dar más relieve a personajes clave en la historia. Y es que el argumento parece despreciar todo lo secundario que nos desvíe de la acción pura y dura, lo cuál es un error, pues sin una historia convenientemente amueblada, las escenas de lucha pierden dramatismo y todo se queda en algo demasiado simple y básico como para interesarnos realmente.

Por ejemplo, habría ayudado mucho desarrollar la relación de Parker y el sheriff Jesse Swann (Mark Webber), el antiguo novio de la chica, con un papel clave en el drama; de ahí que esa omisión reste todo el dramatismo al desenlace, cuando él y Parker han de saldar cuentas.

A favor de Detonantes podemos decir que las escenas de acción resultan bastante correctas, sobre todo el incendio del local de Parker, y que, a pesar de las limitaciones argumentales, la cinta se desarrolla de manera bastante fluida, con lo que no llega a aburrir ni a cansar en ningún momento. Pero, en general, es una película bastante plana y predecible que no dejará huella en el espectador.

Más allá de la vida

Dirección: Clint Eastwood.

Guion: Peter Morgan.)

Música: Clint Eastwood.

Fotografía: Tom Stern.

Reparto: Matt Damon, Cécile de France, George McLaren, Frankie McLaren, Lyndsey Marshall, Bryce Dallas Howard, Jay Mohr, Thierry Neuvic, Richard Kind, Rebekah Staton, Declan Conlon, Stéphane Freiss, Marthe Keller, Derek Jacobi, Steve Schirripa.

George Lonegan (Matt Damon) puede hablar con los muertos. La periodista francesa Marie LeLay (Cécile de France) tiene una experiencia cercana a la muerte. El pequeño Marcus (George/Frankie McLaren) pierde a su hermano gemelo (Frankie/George McLaren). El destino hará que acaben encontrándose los tres en Londres.

Lleva años sucediendo: cada nueva película de Clint Eastwood despierta mi interés (y el de medio mundo) y siempre termino en gran medida rindiéndome al saber hacer de este cineasta. Puede gustarte más o menos la temática abordada (Gran Torino (2008) no me enamoró) o el tono (Million Dollar Baby (2004) me pareció demasiado lacrimógena), pero es innegable que estamos ante cine del bueno, de ese que no te deja indiferente.

En esta ocasión trata un tema que imagino que le preocuparía de manera especial: la vida después de la muerte o llámesele como se quiera. Y aborda el tema no preguntándose si hay algo más allá cuando nos morimos, pues eso lo da por supuesto, sino mostrando las diferentes maneras en las que la muerte afecta a los tres protagonistas. 

Porque Eastwood nos cuenta tres relatos diferentes que acaban convergiendo. Un niño que pierde a su gemelo y busca desesperadamente la manera de contactar con él, lo que le sirve al director para criticar el infame negocio que existe alrededor del tema, con falsos videntes y espiritistas. Una mujer que está al borde de la muerte y cómo esa experiencia le cambia la vida y, finalmente, George, que tiene el don de poder contactar con los muertos, esta vez de manera real, sin trucos, y que precisamente esa facultad se ha convertido en una maldición de la que intenta huir a toda costa.

Pero por encima de estas historias, más o menos interesantes, según nuestra sensibilidad o gusto, está la manera en que Clint Eastwood las construye, siempre con esa delicadeza y ese saber hacer que convierten las pequeñas cosas, las historias simples, en algo grande. Porque esa es la magia del director: saber llegar hasta el espectador sin demasiados artificios, con elegancia y mucha sensibilidad. 

Hay momentos en que la película puede hacerse pesada, sobre todo al principio, pero Eastwood sabe ir ganando terreno hasta que logra conmovernos haciéndonos partícipes del dolor, las dudas y los miedos de los protagonistas. Y es aquí cuando muestra su veteranía y su saber hacer, convirtiendo unas historias sencillas en algo profundo y muy humano.

No voy a negar, sin embargo, que el director repite fórmula: un tema llevado a niveles de emotividad muy altos apoyándose en una banda sonora que nos recuerda a la de Sin perdón (1992), lo que demuestra que no duda en aferrarse a lo que funciona, aunque ello implique repetirse. Pero, al final, me he quedado con la sensación de haber visto un ejemplo de buen cine, de ese que nos hizo amar este arte.   

Verano en Louisiana

Dirección: Robert Mulligan.

Guion: Jenny Wingfield.

Música: James Newton Howard.

Fotografía: Freddie Francis.

Reparto: Sam Waterston, Tess Harper, Gail Strickland, Reese Witherspoon, Jason London, Emily Warfield, Ernie Lively, Dennis Letts, Bentley Mitchum. 

Dani (Reese Witherspoon) es una niña de catorce años que está pasando de la infancia a la adolescencia. Al conocer a su nuevo vecino Court (Jason London), de diecisiete años, no tarda en enamorarse perdidamente de él.

Verano en Louisiana (1991) supone el debut en el cine de Reese Witherspoon, que demuestra un talento inmenso, convirtiendo sus escenas en un regalo maravilloso, en contraste con la hermosa pero acartonada Emily Warfield.

La cinta también es la última de su director, que eligió como despedida un tema muy similar a su Verano del 42 (1971), sobre el despertar al amor de una adolescente en este caso.

La película cuenta una historia bastante sencilla que en buena medida refleja los sentimientos e ilusiones de una adolescente que comienza a sentirse mayor aunque sin serlo del todo. Falta, eso sí, más profundidad a la hora de abordar el tema, pues Mulligan parece preferir recrearse en escenas hermosas y sentimentales que componen un relato muy tierno pero un tanto superficial.

Verano en Louisiana se acerca más a un cuento que a una historia real. Todos los personajes principales son buenas personas, siempre con pensamientos positivos, cariñosos y comprensivos. El acierto de Mulligan tal vez resida en que, con ese material, consigue que la película no se convierta en un drama excesivamente edulcorado, si bien en el tramo final no puede evitar algunos momentos un tanto lacrimógenos.

Sin duda, una cinta que refleja bien el talante del director, con su gusto por historias románticas y tiernas y su tratamiento, donde la estética y el buen gusto se imponen siempre.

Vidas rebeldes

Dirección: John Huston.

Guion: Arthur Miller.

Música: Alex North.

Fotografía: Russell Metty.

Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Thelma Ritter, Eli Wallach, James Barton, Kevin McCarthy, Estelle Winwood. 

Roslyn Tabor (Marilyn Monroe) llega a Reno para divorciarse. Allí conocerá a Gay (Clark Gable), un viejo vaquero del que se enamora.

Hay películas cuyo valor histórico es más importante que su calidad intrínseca y este es el caso de Vidas rebeldes (1961), un largometraje que ha pasado a la historia por ser la última película de Marilyn Monroe y de Clark Gable, que moriría pocos días después de finalizar el rodaje de un ataque al corazón.

La película es un retrato de unos perdedores, gente desubicada, inadaptada y, en medio de ellos, aparece Roslyn, una hermosa mujer capaz de despertar en ellos viejas pasiones dormidas. Sin embargo, ella misma es otra inadaptada, medio niña, medio mujer, deseada por los hombres pero en realidad sola, incapaz de compartir su vida con alguien. Y triste, como le dice Gay, la mujer más triste que ha conocido.

Arthur Miller, casado entonces con la actriz aunque ya con el matrimonio roto, escribió un guión en el que es fácil confundir a la actriz con el personaje. Por ello la historia cobra una inesperada vida que se proyecta más allá de la pantalla y se vuelve más dolorosa y más real.

Sin embargo, como obra cinematográfica, Vidal rebeldes es un film pretencioso y algo confuso, con un intento manifiesto de ofrecernos retratos de seres atormentados que parecen demasiado forzados como para resultar cercanos. 

Intenta ser el retrato de personas que están perdiendo su lugar en el mundo por los cambios que llevan al final de su manera de vivir y de entender la vida. Es la civilización devorando a los últimos rebeldes. El problema es el tono tan frío, tan rebuscado en que se expresa todo y donde Miller parece más preocupado de soltar frases lapidarias que de crear una historia cercana.

En todo caso, John Huston consigue crear un relato cuyo dinamismo se sobrepone a los largos diálogos y, con la fotografía de Russell Metty, imprime carácter y cierta belleza a la historia. A esto hemos de añadir la presencia de un reparto sublime. Marilyn Monroe, siempre con ese no se qué que la hacía mucho más atractiva de lo que era en realidad, es una delicia; sin embargo, con quién más he disfrutado es con Clark Gable; no es el de sus mejores años, pero imprime un carácter a la historia solo al alcance de las grandes estrellas de Hollywood.

Vidas rebeldes pertenece a esa curiosa corriente literaria y cinematográfica en dónde personas extrañas viven situaciones cercanas. Sinceramente, prefiero las películas de personas cercanas viviendo situaciones extraordinarias.

¿Y qué tendrá que ver el amor?

Dirección: Shekhar Kapur.

Guion: Jemima Khan.

Música: Nitin Sawhney.

Fotografía: Remi Adefarasin.

Reparto: Lily James, Shazad Latif, Emma Thompson, Shabana Azmi, Sajal Aly, Taj Atwal, Oliver Chris, Asim Chaudhry, Jeff Mirza.

Zoe (Lily James) es documentalista y cuando sus productores le rechazan sus nuevos proyectos, les propone documentar la boda concertada de su vecino paquistaní Kaz (Shazad Latif).

Digamos antes de nada que ¿Y qué tendrá que ver el amor? (2022) no nos propone nada que no hayamos visto cientos de veces en las comedias románticas: pareja de protagonistas que se aman pero siguen caminos separados hasta que, como es de esperar, al final terminan rindiéndose al amor mutuo que sienten.

El toque original en este caso viene de la mano de la tradición en países musulmanes de concertar las bodas. Sin duda, es un punto de partida novedoso y, además, hay que añadir que la manera en que se presenta el tema, y todo lo relacionado con él, se hace de un modo respetuoso y con muy buen gusto. En realidad, una de las virtudes de la película es esa: el buen tono con el que está desarrollada, sin caer en vulgaridades ni en esos intentos desesperados por resultar graciosas que vemos tan a menudo en comedias similares. La única nota discordante es el personaje de Emma Thompson, cuyo histrionismo destaca negativamente. Una pena, pues el talento de la actriz merecía un personaje menos ridículo. Aún así, Thompson sigue maravillándonos con una naturalidad muy por encima de su papel.

Pero sin duda quien se lleva la palma en la película es Lily James, que derrocha encanto por los cuatro costados. Me pareció encantadora y el alma sin duda de la historia.

Otro gran acierto del guión es que el conflicto entre los protagonistas, su evolución y la resolución final del mismo están llevados con gran precisión. Todas las piezas encajan a la perfección, evitando caer en situaciones forzadas o ridículas. Con ello, a pesar de asistir a una historia muy vista, somos capaces de compartir y comprender los problemas planteados y disfrutar, si nos gusta este tipo de fórmula, de una bonita historia muy bien contada. Además, el detalle de los cuentos infantiles con el que comprendemos los problemas y dudas de Zoe me pareció un recurso precioso que encaja muy bien en el relato.

Eso sí, esta película es para aquellos que adoran este tipo de historias. No ofrece nada nuevo, no tiene lecturas profundas ni mensajes trascendentales; es una simple historia de amor, con algunos momentos algo edulcorados, que convencerá a muchos y aburrirá a otros tantos. Pero, sabiendo lo que ofrece, creo que es un film más que aceptable.