Sin rastro (Gone)

Dirección: Heitor Dhalia.

Guion: Allison Burnett.

Música: David Buckley.

Fotografía: Michael Grady.

Reparto: Amanda Seyfried, Daniel Sunjata, Jennifer Carpenter, Sebastian Stan, Wes Bentley, Nick Searcy, Socratis Otto, Emily Wickersham, Joel David Moore, Katherine Moennig, Michael Paré.

Jill Conway (Amanda Seyfried) es una joven que fue secuestrada y logró escapar. Cuando tiempo después secuestran a su hermana Molly (Emily Wickersham), Jill cree que se trata del mismo secuestrador.

Sin rastro (Gone) (2012) es un thriller bastante vapuleado por la crítica que, sinceramente, no es una gran película, pero creo que tiene algunos detalles positivos por los que no merece ser tan despreciada. 

Para empezar, es una cinta donde se ha eliminado todo lo superfluo. Ello puede que deje a la historia un tanto desnuda; por ejemplo, los personajes de los policías se quedan sin desarrollar, lo cual hace que la película cojee un poco, pero como compensación tenemos una historia que no se va por las ramas, concentrándose en lo que de verdad nos interesa en este tipo de propuestas: la protagonista y sus intentos de encontrar a su hermana secuestrada ante la pasividad de la policía.

La investigación de Jill además me pareció del todo coherente, descubriendo pistas poco a poco hasta dar con el posible secuestrador. No hay nada retorcido ni cogido con alfileres, lo cual aumenta la credibilidad de lo que estamos viendo.

Pero quizá el detalle más sorprendente y que me gustó de un modo especial, es que la película es honesta de principio a fin, sin esos engaños tan habituales en este género o esos giros inesperados que lo cambian todo de manera arbitraria. Por fin me encuentro con un relato que no busca sorprendernos a toda costa, sino que se centra en lo que tiene, sin más. Y eso no solo es de agradecer, sino que, acostumbrados a que la norma sea el engaño, esta simplicidad y honestidad nos coge un tanto por sorpresa.

Es cierto que la escena clave del enfrentamiento de Jill y el secuestrador (Socratis Otto) es algo descafeinada, echándose en falta un poco más de intensidad y emoción, pero es un detalle que puedo pasar por alto a cambio de un relato sin engaños.

Amanda Seyfried, por su parte, hace un trabajo más que correcto y creo que trasmite su angustia con total convicción.

Está claro que Sin rastro (Gone) no es una película memorable, pero creo que como pasatiempo sin más cumple sobradamente, manteniendo la tensión en los momentos claves y proporcionando un entretenimiento honesto y sencillo.

La hija de mi mejor amigo

Dirección: Julian Farino.

Guion: Ian Helfer y Jay Reiss.

Música: Klaus Badelt y Andrew Raiher.

Fotografía: Steven Fierberg.

Reparto: Hugh Laurie, Leighton Meester, Alia Shawkat, Oliver Platt, Catherine Keener, Allison Janney, Adam Brody, Sam Rosen. 

David (Hugh Laurie), un hombre maduro con un matrimonio en crisis, termina cediendo a la tentación e inicia una relación con Nina (Leighton Meester), la hija de su mejor amigo (Oliver Platt).

He aquí una comedia con un planteamiento novedoso, en cuanto el romance no es el típico entre jóvenes, sino que involucra a un hombre casado con una jovencita que podría ser su hija. Me parece un punto de partida realmente interesante desde el que abordar temas como la rutina, el aburrimiento, la crisis de la mediana edad, las normas sociales, el valor de la amistad, la búsqueda de la felicidad..., y todo ello está presente en La hija de mi mejor amigo (2011), aunque sin que el guión consiga sacarle todo el potencial a tantas posibilidades.

Para empezar, advertir que si esperas encontrarte con una comedia ingeniosa ese no es el caso. De comedia tiene que la cinta elude un enfoque dramático y apuesta por un tono ligero, pero el guión es muy soso como para sacarnos alguna sonrisa.

Otro detalle desconcertante es la falta de intensidad en los momentos clave, dando a veces la impresión de que la escena se ha quedado sin terminar o tal vez sin ofrecernos lo mínimo que esperaríamos de los momentos cruciales. Y por ahí es por dónde el guión muestra sus debilidades: ofrece un relato muy plano y superficial que no ahonda en todo lo que insinúa, como si los guionistas fueran incapaces de expresar con profundidad los temas abordados. Así, la crisis de David se queda en nada, las aclaraciones entre él y su esposa (Catherine Keener) y su hija (Alia Shawkat) pecan de simplistas y breves y los conflictos terminan por resultar muy poco elaborados, dejando a la historia sin sustancia alguna.

Incluso el desenlace es frustrante, con un intento absurdo por no salirse de lo más convencional, renunciando a todo lo que hubiera podido ser más transgresor o, sencillamente, más valiente.

Al final, lo mejor es el reparto, donde el personaje que finalmente resulta más interesante es el de Oliver Platt, cuya crisis de mediana edad resuelve con compras absurdas e intentos poco exitosos por mantenerse joven.

Romper el círculo

Dirección: Justin Baldoni.

Guion: Christy Hall (Novela: Colleen Hoover).

Música: Duncan Blickenstaff y Rob Simonsen.

Fotografía: Barry Peterson.

Reparto: Blake Lively, Justin Baldoni, Jenny Slate, Brandon Sklenar, Hasan Minhaj, Kevin McKidd, Amy Morton, Alex Neustaedter, Isabela Ferrer.

Lily Bloom (Blake Lively) viene de un hogar donde eran frecuentes los malos tratos por parte de su padre, ya fallecido. Cuando de adulta inicia una nueva vida en Boston y conoce a Ryle Kincaid (Justin Baldoni), no puede imaginar que será ella la que sufra malos tratos.

Romper el círculo (2024) pretende ser un drama sobre un tema tan delicado como los malos tratos, pero se queda en algo con muy poca sustancia. La culpa la tiene el guión, que no se atreve a ahondar en el tema y nos deja un sucedáneo de denuncia donde parece que se prioriza el envoltorio.

La historia comienza desvelando que el padre el Lily era un maltratador al que su esposa (Amy Morton) nunca llegó a denunciar ni a dejar, algo que Lily no acaba de entender. Cuando comience a sufrir ella malos tratos, tampoco reacciona al principio, pues prefiere engañarse fruto de su enamoramiento. Y esa es toda la profundización en el tema. El guión no va a adentrarse en serio, dejando que el relato se quede más en la superficie.

Tiene la ventaja de que así se evita caer en lo melodramático. Incluso las escenas de malos tratos se ruedan sin mostrar los detalles, en parte para que entendamos, al principio, la reacción pasiva de Lily y en parte porque está claro que el fin de la película es más superficial y edulcorado.

Por lo tanto Romper el círculo se acerca más a una historia romántica algo cursi que a una película de denuncia, pero, aun así, el guión es tan blando y tan poco imaginativo que ni el romance ni los conflictos presentados con el primer amor de Lily, Atlas (Brandon Sklenar), llegan a tener profundidad, de manera que todo lo que vemos es demasiado superficial, lo que incluye un final precipitado que intenta dejarnos un buen sabor de boca con la perspectiva de un futuro feliz para Lily al lado de Atlas. Pero se echa en falta que su reencuentro de adultos tenga más desarrollo, como lo tuvo el momento en que ambos se conocen e inician una amistad que los marcará de por vida, lo que constituye sin duda lo mejor de toda la cinta.

Solamente la presencia de Blake Lively eleva algo el nivel de la película que, de no contar con ella, podría pasar por el típico melodrama barato de bajo presupuesto y poca ambición que tan a menudo nos asalta por televisión.

Intrusión

Dirección: Adam Salky.

Guion: Christopher Sparling.

Música: Alex Heffes.

Fotografía: Eric Lin.

Reparto: Freida Pinto, Logan Marshall-Green, Robert John Burke, Megan Elisabeth Kelly, Sarah Minnich, Hayes Hargrove, Clint Obenchain, Mark Sivertsen.

Poco después de establecerse en Corrales (Nuevo México), Meera (Freida Pinto) y Henry Parsons (Logan Marshall-Green) descubren que alguien entró a robar en su nueva casa. Poco después, en plena noche, tres extraños entran en la casa.

He aquí un buen ejemplo de como un mal guión echa por tierra cualquier posibilidad de llevar este thriller a buen puerto, porque el problema básico de Intrusión (2021) es la absoluta falta de profundidad en todo lo narrado.

El comienzo no es muy esperanzador, con una puesta en escena un tanto elemental donde conocemos a la pareja protagonista de un modo bastante superficial, algo que no se arregla en el resto de la historia, de manera que lo único que conocemos de Meera es su profesión y que ha padecido cáncer tiempo atrás. De su marido aún sabremos menos, solamente que es arquitecto.

Tampoco se aclara por qué se mudaron de Boston a Corrales, salvo por la escueta explicación de buscar un sitio tranquilo donde vivir.

Esta falta de profundidad en los protagonistas va a ser un lastre que afecte a toda la cinta, pues no llegamos a empatizar con unos personajes demasiado planos como para interesarnos especialmente.

Después, cuando entramos en materia con el asalto, de nuevo vemos que el guión es incapaz de pasar de la superficie, dejando el tema en casi nada. Incluso con la muerte de los asaltantes, nada de lo que vemos logra impactarnos mínimamente, como si estuviéramos anestesiados por la falta de nervio del guión.

Solo el interés por desentrañar el misterio que sabemos que se esconde en algún sitio nos mantiene pegados a la pantalla. Y otra vez el argumento se muestra plano y torpe a la hora de contarnos las dudas que empiezan a asomar en la mente de Meera respecto a su marido. 

Así pues, cuando llegamos a la parte crucial de la película, volvemos a notar la falta de consistencia del guión, incapaz de meternos en la piel de Meera, de mostrarnos su asombro y desconcierto cuando descubre el lado oscuro de su esposo y, lo peor, incapaz de conseguir que temamos por su vida. Aun sabiendo que estas películas suelen acabar bien, no hay nada en las últimas escenas que nos lleve a sufrir o preocuparnos un poco por el destino de Meera y la joven secuestrada. Es todo tan plano y predecible que parece mentira que nadie intentara arreglarlo un poquito al menos.

En resumen: un thriller sin sustancia, demasiado simple y sin vida como para provocarnos la más mínima reacción en cualquier sentido.

La mujer del camarote 10

Dirección: Simon Stone.

Guion: Joe Shrapnel, Anna Waterhouse y Simon Stone (Novela: Ruth Ware).

Música: Benjamin Wallfisch.

Fotografía: Ben Davis.

Reparto: Keira Knightley, Guy Pearce, David Ajala, Art Malik, Gugu Mbatha-Raw, Kaya Scodelario, David Morrissey, Daniel Ings, Hannah Waddingham, Lisa Loven Kongsli.

Laura Blacklock (Keira Knightley), una prestigiosa periodista, es invitada al yate de Anne Lyngstad (Lisa Loven Kongsli), una millonaria noruega aquejada de cáncer, para cubrir una gala benéfica de la fundación creada por el esposo de Anne.

La mujer del camarote 10 nos presenta un misterio del estilo de las novelas de Agatha Christie, pero sin la a veces tediosa explicación final con los sospechosos reunidos. Es por tanto una película que te atrapa si eres de los que les gusta este tipo de planteamientos, pero en conjunto no es una obra del todo redonda.

A favor de esta adaptación de una novela de Ruth Ware, hemos de decir que el argumento va directo al grano tras la inevitable presentación de los hechos y personajes. Y esta brevedad, hay que reconocerlo también, juega en contra de la historia, pues salvo la protagonista, el resto de personajes se quedan en muy poca cosa, cuando no en meras caricaturas que no aportan nada al desarrollo, salvo el médico de la anfitriona (Art Malik) y el marido de esta (Guy Pearce), pero sin tener tampoco profundidad alguna.

Sin embargo, esta simplicidad hace que desde muy temprano nos metamos en el meollo de la cuestión: el supuesto asesinato de una misteriosa mujer alojada en el camarote 10 del que Laura es testigo y, al estilo de Alarma en el expreso (Alfred Hitchcock, 1938), nadie dice haber visto a esa mujer, afirmando que ese camarote estaba vacío.

A partir de ahí ya no hay respiro, con Laura luchando por demostrar que está en lo cierto mientras intenta mantenerse con vida y es tachada de loca por los otros viajeros.

Así pues, la película transcurre con agilidad y la intriga nos mantiene alerta. Simon Stone consigue mantener el pulso en todo momento y en su favor hay que decir que logra sacar un buen resultado de los pocos elementos de que dispone.

Tampoco el desenlace defrauda: la trama tiene lógica, aunque resulte algo descabellada, pero al menos no resulta incoherente ni se juega con el espectador, con lo que el final, sin ser demasiado elaborado ni brillante, nos deja un aceptable sabor de boca.

La mujer del camarote 10 es pues una propuesta aceptable, pero que nadie espere contemplar una gran película, sino un simple pasatiempo que funciona aceptablemente dentro de su sencillez.

Mi año en Oxford

Dirección: Iain Morris.

Guion: Allison Burnett y Melissa Osborne (Novela: Julia Whelan).

Música: Isabella Summers.

Fotografía: Remi Adefarasin.

Reparto: Sofía Carson, Corey Mylchreest, Dougray Scott, Catherine McCormack, Harry Trevaldwyn, Esmé Kingdom, Nikhil Parmar, Poppy Gilbert. 

Anna de la Vega (Sofía Carson), tras graduarse y antes de comenzar su carrera profesional en Wall Street, acude a la Universidad de Oxford para cumplir su sueño de estudiar la poesía victoriana.  

Mi año en Oxford (2025) es la típica película romántica con protagonistas guapos que nos vende una historia de amor tan perfecta como dramática. Esto queda muy bien sobre el papel, otra cosa es llevarlo a la práctica.

Para empezar, la historia arranca en tono más bien ligero, con una presentación de los personajes algo simple, sin rodeos. Da la sensación de que las guionistas tenían prisa para meternos de lleno en el romance, que acapara todo el resto del metraje, bastante extenso, por cierto. El inconveniente de esas prisas es que no nos permiten conocer a fondo a la pareja protagonista. Es más, la imagen que obtenemos de Anna es un tanto pobre, como de alguien inmaduro, pero peor es la primera impresión que nos ofrecen de Jamie (Corey Mylchreest): un playboy infantil, cobarde y algo tonto que, para lograr que encaje en la vida de Anna, lo convierten en su improbable profesor.

Con este comienzo no es de extrañar que cueste empatizar con los protagonistas, sobre todo porque tampoco hay ninguna tensión previa a su enamoramiento, transcurriendo sus primeros encuentros de manera superficial, sin nada que aporte emoción o incertidumbre. Su encuentro y su enamoramiento están telegrafiados con absoluta falta de elaboración.

Y como todo va como de prisa y corriendo, tampoco los personajes secundarios, que suelen jugar siempre un rol más cómico que aligere la historia, son desarrollados con sentido común, sino que se meten en la trama de una manera que puede resultar precipitada. Ellos tampoco tienen la profundidad necesaria para adquirir un peso dramático y quedan como meros decorados necesarios, pero muy secundarios en todo.

Pero la clave de la historia se desvela a mirad de la misma, cuando descubrimos que Jamie padece cáncer y que Cecelia (Poppy Gilbert), la que presumíamos que era su novia, en realidad lo era de su difunto hermano, también víctima del cáncer.

Es el giro sorpresa que pretende conducirnos sin tregua de ahí hasta el final por un drama lacrimógeno de libro. Y de nuevo aquí se manifiestan las limitaciones de la película, pues lo que debería provocarnos un mar de lágrimas se queda en casi nada, pues tampoco en el drama el guión consigue llegar a convencernos de la seriedad y profundidad de sus intenciones.

Y ese es el defecto clave de Mi año en Oxford, que se queda en la superficie de las personas y de sus sentimientos, con unos protagonistas muy guapos, pero con una historia tan mal abordada que no consigue llegarnos y mucho menos emocionarnos. 

De lo poco reseñable serían algunas citas de bonitos poemas, lo único en realidad que aporta algo de profundidad y calidad a una película bonita en las formas, pero sin calidad en lo importante y que cae en todo lo menos original que puede ofrecer el género.

Detonantes

Dirección: Mouly Surya.

Guion: John Brancato, Josh Olson y Halley Gross.

Música: Enis Rotthoff.

Fotografía: Zoë White.

Reparto: Jessica Alba, Mark Webber, Tone Bell, Jake Weary, Gabriel Basso, Anthony Michael Hall, Kaiwi Lyman, Hari Dhillon. 

Parker (Jessica Alba), una militar altamente cualificada, regresa a su pueblo natal cuando le comunican la muerte de su padre.

Detonantes (2024) es una película de acción que se inscribe en esa corriente actual que le da el protagonismo a las mujeres, convirtiéndolas en una copia de los héroes de acción masculinos, pues en realidad este es un género que se mueve por lo general en terrenos muy trillados.

Los fans de Jessica Alba están pues de suerte, pues vuelve a las pantallas convertida en toda una heroína de lo más dura, pero sin perder su innegable encanto, y puede que a la postre ese sea el principal atractivo de Detonantes, porque, el guión no ofrece realmente nada novedoso.

Para empezar tenemos la típica introducción que sirve para presentarnos a la protagonista con sus habilidades en la lucha, lo que nos indica a las claras por dónde van a ir los tiros. Pero además sirve también para mostrarnos su calado moral; Parker no duda en enfrentarse a un colega si es para oponerse a actos cobardes y reprobables. Y aquí vemos claramente la simpleza y candidez del argumento.

A partir de ahí, la acción pasa al pueblo natal de Parker, en dónde descubrirá una oscura trama de tráfico de armas que es la causa de la muerte de su padre, asesinado cuando supo de dicha trama. Y es aquí dónde el guión muestra sus debilidades, pues el regreso de Parker a su pueblo está desaprovechado al no profundizar el guión en sus relaciones pasadas o dar más relieve a personajes clave en la historia. Y es que el argumento parece despreciar todo lo secundario que nos desvíe de la acción pura y dura, lo cuál es un error, pues sin una historia convenientemente amueblada, las escenas de lucha pierden dramatismo y todo se queda en algo demasiado simple y básico como para interesarnos realmente.

Por ejemplo, habría ayudado mucho desarrollar la relación de Parker y el sheriff Jesse Swann (Mark Webber), el antiguo novio de la chica, con un papel clave en el drama; de ahí que esa omisión reste todo el dramatismo al desenlace, cuando él y Parker han de saldar cuentas.

A favor de Detonantes podemos decir que las escenas de acción resultan bastante correctas, sobre todo el incendio del local de Parker, y que, a pesar de las limitaciones argumentales, la cinta se desarrolla de manera bastante fluida, con lo que no llega a aburrir ni a cansar en ningún momento. Pero, en general, es una película bastante plana y predecible que no dejará huella en el espectador.