El cine y yo

Me resulta imposible imaginar mi vida sin el cine. De alguna manera me ha ido conformando en salas oscuras, donde el universo por entero brillaba ante mí y la realidad, la otra realidad, desaparecía milagrosamente para dar paso a una vida ilimitada. Al menos, cuando yo era niño era así.


Uno de los primeros recuerdos que tengo es de pánico y fascinación. La película se titulaba "Jerónimo" y yo tenía tres años. En un televisor en blanco y negro, con una imagen seguramente bastante pobre, aquella película me aterraba y me atraía en partes iguales, y yo sentía que estaba ante algo que me superaba. Desde entonces, mi vida y el cine han ido de la mano.


El cine me nutría de imágenes que abrían mi imaginación como quién abre una ventana a las montañas. El cine me proporcionaba una vida nueva infinita en aventuras y en heroicidades. El cine era un baúl, un escondite y una fuente. En el misterio estaba la plenitud.


El cine eran las sesiones de los sábados a las cuatro; eran las películas para adultos a las que accedíamos antes incluso de llegar a pisar la adolescencia, con el atractivo inmenso de todo lo prohibido; eran las fichas en cartulinas y los recortes de fotografías; eran los estrenos con colas interminables; era la conversación con aquella chica que me atrapó hasta hacerme olvidar donde estábamos... e incluso fue una declaración de amor.


No puedo imaginarme mi vida sin el cine. Nada sería lo mismo. Dejemos pues que pasen ante nosotros, en palabras, imágenes de toda una vida.

viernes, 21 de julio de 2017

Perversidad



Dirección: Fritz Lang.
Guión: Dudley Nichols (Novela: Georges de La Fouchardière y André Mouézy-Éon).
Música: Hans J. Salter.
Fotografía: Milton Krasner.
Reparto: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Dan Duryea, Jess Baker, Margaret Lindsay, Rosalind Ivan, Samuel S. Hinds, Vladimir Sokoloff.

Después de recibir un homenaje de su jefe por sus leales servicios durante veinticinco años en la empresa, Christopher Cross (Edward G. Robinson) regresa a su domicilio y observa a un hombre pegando a una mujer. Se trata de una hermosa joven, Kitty (Joan Bennett),  por la que Cross se sentirá inmediatamente atraído.

Tras el éxito de la magnífica La mujer del cuadro (1944), Fritz Lang filma esta película con el equipo de ese film y los mismos tres protagonistas. Sin embargo, Perversidad (1945) es una obra mucho más sombría y pesimista, con un final terrible que no salva a nadie.

En esencia, Perversidad es el relato de la caída a los infiernos de un buen hombre, el apocado y humilde Chris Cross, empleado ejemplar y pintor aficionado, por culpa del amor por una mujer manipuladora y mentirosa. Cross, que confiesa a un amigo que nunca ha sido amado por una hermosa mujer, cree haber encontrado su redención al conocer a Kitty, sin saber que el interés de ella por él está motivado tan solo por el deseo de aprovecharse de su ingenuidad para conseguir dinero para su novio Johnny (Dan Duryea), un chulo que vive de lo que ella pueda conseguir.

Cross, seducido por las mentiras de Kitty, creyendo que ella lo ama sinceramente, no duda en ir corrompiéndose progresivamente, robando dinero en su empresa, a su mujer y llegando incluso a fantasear con librarse de ella para poder casarse con Kitty. La película es una despiadada visión de la corrupción del alma humana víctima del deseo. Es terrible comprobar como un corazón noble se va pudriendo por un sueño, una ilusión de felicidad por la que no duda en traicionarse a sí mismo.

El motor del drama que termina con los tres protagonistas será la mentira. Cross finge ser un famoso pintor, temiendo desilusionar a Kitty, que niega tener novio y finge quererlo para poder sacarle el dinero que le exige Johnny, que se hace pasar por el novio de una amiga de Kitty para poder mantener el engaño en pie.

Fritz Lang se apoya en la poderosa fotografía de Milton Krasner para expresar la progresiva ruina de Cross, fotografía que se va oscureciendo hasta las demoledoras escenas finales, donde los contrastes acusados, las sombras amenazadoras recuerdan los orígenes expresionistas del director, construyendo un universo lúgubre que parece devorar al protagonista, atormentado sin remedio por la culpa y el dolor.

Perversidad es cine negro, sí, pero un tanto original. Y es que Kitty, la mujer fatal de la historia, no es una malvada típica. Su engaño está motivado por su amor incondicional por Johnny. Y Johnny tampoco parece ser más que un caradura que intenta vivir sin dar golpe. Su castigo, a todas luces es injusto, como excesivo parece el destino de Kitty. Sin embargo, es como si una fuerza superior los arrastrara al desastre. Parece, salvando las distancias, una tragedia clásica, donde los personajes no logran dominar sus impulsos, sus vicios, sus mentiras, que crecen hasta que son imposibles de parar.

En el debe de la película, quizá una duración excesiva, con algunas secuencias que podrían haberse acortado. Quizá ello penalice un tanto el ritmo. Aún así, estamos ante una película única, con el sello de ese cine de la edad de oro de Hollywood que aún pervive con toda su fuerza, a pesar de los años y las modas.

La película es en realidad un remake de La golfa, film de Jean Renoir de 1931.

Alarma en el expreso



Dirección: Alfred Hitchcock.
Guión: Sidney Gilliat y Frank Launder (Novela: Ethel Lina White).
Música: Louis Levy.
Fotografía: Jack Cox.
Reparto: Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Dame May Whitty, Paul Lukas, Basil Radford, Naunton Wayne, Cecil Parker.

Durante un viaje, la joven Iris Henderson (Margaret Lockwood) conoce a una simpática anciana, la señorita Froy (May Whitty), que la ayuda a recuperarse de un golpe en la cabeza. Sin embargo, después de despertar de un breve sueño, Iris comprueba que la señorita Froy ha desaparecido y cuando pregunta por ella todos los viajeros y personal del tren insisten en que no han visto a esa mujer.

Alarma en el expreso (1938) es una de las últimas películas de la etapa inglesa de Hitchcock, que gracias al éxito de este film, entre otros, partiría poco después a Estados Unidos, donde filmaría lo mejor de su filmografía.

Sin embargo, su etapa inglesa, si bien limitada en el aspecto técnico y más pobre en líneas generales que la americana, contiene algunas pequeñas joyas, entre las que está Alarma en el expreso, una película que es verdad que acusa no solo el paso del tiempo, sino que también posee un argumento que es difícil tomarse en serio, en especial en cuanto al desenlace. Aún así, Hitchcock demuestra un buen dominio de todos los elementos del film, lidiando con mano firme con las incongruencias del guión y, sobre todo, sabiendo darle un empaque a la historia, más allá del tema principal del espionaje que, eso sí, aporta una interesante intriga con la negación por parte de todos de la existencia de la señorita Froy. Por cierto, la acción transcurre en un país centro europeo imaginario (Vandrika), pero las similitudes con la Alemania nazi parecen notables.

El guión también posee una notable carga cómica, con un sin fin de detalles simpáticos, donde juega con los malos entendidos de corte sexual o se ríe abiertamente de la flema británica, encarnada en dos curiosos personajes secundarios, y llevándola al límite con la secuencia del asalto al vagón del tren al final de la película.

No falta tampoco la historia de amor, que transcurre de un modo fluido al tiempo que los protagonistas intentan aclarar el misterio de la mujer desaparecida, con momentos muy originales, como la pelea en el vagón de equipajes rodeados del atrezzo de un mago.

Alarma en el expreso cuenta también con un buen elenco de actores, de lo mejor de la época en Inglaterra, con una destacada May Whitty y el galán Michael Redgrave, padre de la famosa actriz Vanessa Redgrave.

Estamos por tanto ante un film algo envejecido por el paso del tiempo, es cierto, pero con un encanto innegable que precisamente le aporta su sencillez.

domingo, 16 de julio de 2017

El cabo del miedo


Dirección: Martin Scorsese.
Guión: Wesley Strick (Novela: John D. MacDonald).
Música: Elmer Bernstein y Bernard Herrmann.
Fotografía: Freddie Francis.
Reparto: Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis, Robert Mitchum, Gregory Peck, Joe Don Baker, Illeana Douglas.

Max Cady (Robert De Niro) es puesto en libertad tras cumplir catorce años de condena por agresión sexual. Y su única idea es vengarse de su abogado defensor (Nick Nolte), pues mientras estuvo en prisión descubrió que su defensa no había sido todo lo eficaz posible, ocultando pruebas que le podrían haber reducido la condena.

El cabo del miedo (1991) es un remake de la película El cabo del terror (J. Lee Thompson, 1962) y viene a demostrar una vez más el dicho de que segundas versiones nunca fueron buenas, salvo algunas contadas excepciones. Y es que a veces sencillamente no se entiende muy bien el motivo de volver sobre una buena película para ofrecer una versión actualizada que no aporta nada nuevo, además de tener que sufrir la terrible comparación. La única explicación que se me ocurre es un interés monetario además de una falta de ideas.

Y eso que en esta ocasión al frente de la película tenemos nada menos que a Martin Scorsese, que además se rodeó de un elenco de actores de lo mejor de la época, empezando por Robert De Niro, cuando éste aún se tomaba en serio su trabajo, que está soberbio en la piel del villano de turno, componiendo un malvado de los que te pone los pelos de punta. Su trabajo mereció una nominación al Oscar. La otra nominación que recibió la película fue para Juliette Lewis, sin duda la gran sorpresa, con un trabajo impecable a pesar de su juventud. Como guiño a la película de 1962, aparecen también  brevemente Robert Mitchum y Gregory Peck, que encarnaban al criminal y al abogado, respectivamente, en la película de J. Lee Thompson.

Y en realidad, el reparto es lo único destacable de El cabo del miedo, pues todo lo demás es de un nivel bastante elemental, empezando por un guión de lo más previsible y que además no cuida especialmente los diálogos, que resultan bastante vulgares. No es nada complicado ir anticipándonos a los acontecimientos, con lo que la emoción pierde puntos de forma evidente. El único interés, por lo tanto, residirá en disfrutar del buen trabajo de De Niro y Juliette Lewis, un regalo para el espectador.

Incluso el trabajo de Scorsese me pareció de un nivel bastante pobre, ya desde el comienzo, con la presentación de los protagonistas, que se desarrolla de un modo tan rutinario como desganado, con situaciones del todo carentes de interés y conversaciones banales, como si se tratara de un mero trámite que hay que pasar para llegar a lo que realmente parece que le interesa al director: las escenas más dramáticas, donde Scorsese no duda en cargar las tintas intentando que en ellas recaiga todo el peso del drama. Sin embargo, tampoco aquí encuentro que dé en el clavo, pareciéndome en algunas ocasiones que exagera demasiado, como en el disparatado final, una secuencia cargada de excesos donde Scorsese no duda en alargar una intriga inexistente con el fin, imagino, de poner un broche de oro a la historia. ¿El resultado? un final forzado y con algunos detalles incomprensibles.

Y esto me sirve para hacer una pequeña crítica hacia un director que si en los años setenta del siglo pasado nos brindó algunas películas excepcionales, como Taxi Driver o Toro salvaje, luego fue jalonando su carrera con títulos mucho menos interesantes, apoyado en la reputación ganada anteriormente pero que muchas veces resultaban decepcionantes, como es el caso que nos ocupa. Y es que El cabo del miedo no deja de ser un film menor, muy bien arropado en cuanto a actores, pero sin la brillantez que hubiera sido deseable.

domingo, 2 de julio de 2017

La novia de mis sueños



Dirección: Stephen Belber.
Guión: Stephen Belber.
Música: Mychael Danna y Rob Simonsen.
Fotografía: Eric Edwards.
Reparto: Jennifer Aniston, Steve Zahn, Woody Harrelson, Margo Martindale, Fred Ward, Tzi Ma, Katie O'Grady.

Sue (Jennifer Aniston), una vendedora de cuadros baratos, llega al motel que regenta Mike (Steve Zahn) con sus padres para pasar una noche. Inmediatamente, Mike se siente atraído por ella y, contra todo pronóstico, tienen una breve aventura. Cuando Sue se va, Mike no podrá quitársela de la cabeza.

Resultan curiosas algunas vueltas argumentales de las comedias románticas. Puede que se trate de no ser repetitivos, o de darle un toque original a las historias, pero a veces me cuesta tomarme en serio algunas películas. Es lo que me sucede con La novia de mis sueños (2008), que parte de una premisa inicial tan forzada que toda la historia termina resintiéndose de ese comienzo. Y es que Mike no es que sea un tipo tan atractivo como para explicarnos que Sue tenga de pronto un calentón y decida darse un revolcón con un completo desconocido del que debería tener cierto recelo, dada la manera en que se presenta ante ella.

El caso es que tanto en el arranque de la película como en las dos terceras partes de la misma, la historia parece querer recrearse más en lo anecdótico y en la comedia que el romance en sí entre Sue y Mike, que avanza sin mucho sentido entre idas y venidas de un sitio a otro, sin que uno termine de comprender qué puede ver la guapa protagonista en un tipo que roza la figura de un acosador,  además de no aparecer tampoco demasiado inteligente.

Y tampoco los detalles cómicos me resultaron especialmente inspirados. En general, son una mezcla de excesos sin pizca de gracia y, además, con algunos momentos en que parece que se rompe el ritmo fluido y las escenas avanzan con cierta dificultad. He de confesar que no me reí en ningún momento a lo largo de la película.

Solamente al final, y de manera un tanto precipitada, la historia parece tomar un camino más serio y los personajes dejan de comportarse de una manera un tanto extraña para cobrar al fin algo de sentido y afrontar sus sentimientos con cierta coherencia. Es el final feliz tan esperado, tras algunos de los típicos desencuentros de este tipo de películas, que logra en cierta manera dejarnos al final un cierto buen sabor de boca, si bien tampoco logra borrar de todo el limitado calado de una historia que, mejor enfocada, hubiera dado mucho más de sí.

En cuanto al reparto, Jennifer Aniston sigue resultando una actriz bastante idónea para este tipo de comedias, con encanto y muchas tablas. Steve Zahn no terminó de convencerme, tal vez por culpa de su personaje: un tipo sin encanto, incluso con un aire de cierta estupidez. Si ese era el punto que tenía que dar a su personaje, he de reconocer que su trabajo es impecable. Woody Harrelson se limita a una breve aparición que no explota del todo su potencial como actor de comedia.

En definitiva, una película sin demasiado interés, que ni tiene su punto fuerte en la historia de amor ni en la parte de comedia, desarrollándose en un tono bastante normalito y sin brillantez.

lunes, 19 de junio de 2017

The Purge: La noche de las bestias



Dirección: James DeMonaco.
Guión: James DeMonaco.
Música: Nathan Whitehead.
Fotografía: Jacques Jouffret.
Reparto: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Rhys Wakefield, Edwin Hodge, Tony Oller, Tom Yi, Tyler Jays, Alicia Vela-Bailey.

Año 2022: Estados Unidos ha superado un período de caos y se ha refundado la nación. Ahora reina la prosperidad, casi no hay paro y la violencia se ha reducido al mínimo. Y todo gracias a una disposición legal que permite que, una vez al año, durante toda una noche, la población pueda cometer cualquier crimen sin tener que responder ante la justicia. Es la conocida como "purga anual".

La ciencia-ficción, sea real o sea una mera conjetura política, como es el caso aquí, da lugar a las más disparatadas hipótesis. Guionistas imaginativos se lanzan febriles a proponer escenarios de lo más apocalípticos. El problema es cuando se los toman en serio y pretenden que nosotros los secundemos en sus elucubraciones. La idea de una sociedad donde se permite una noche de crímenes sin límite ni control es, en esencia, un disparate. Podría haberse planteado algo parecido pero sin tanta radicalidad como medio de advertir de la deriva violenta de la sociedad actual y, seguramente, podría funcionar, al estilo de La naranja mecánica, por ejemplo. Y es que dentro de lo excesivo del planteamiento, la idea daba para algo más que para un thriller violento. Porque es verdad que se podría incidir algo más en el dilema entre caer en la espiral de violencia que las autoridades permiten o mantener los principios éticos que se opongan a ese disparate. Algo que se apunta en la película, pero sin detenerse demasiado en ello, quedando el apunte casi como mera anécdota.

Uno tiene la sospecha de que el argumento de The Purge (2013) no es más que una mera excusa para poder dar rienda suelta a un film cargado de violencia y de muertes sin mucho sentido. Es la contradicción de este tipo de propuestas: pretenden alertar sobre los peligros de la violencia y en realidad solo son un repertorio de muertes y asesinatos gratuitos, en una especie de glorificación o canalización de la violencia extrema.

Pero dejando a un lado lo que podría haber sido y no fue en cuanto a reflexión moral sobre la sociedad actual y futura, The Purge es un mala película en sí misma. Se puede hace buen cine con una mala idea. En este caso, si bien la idea no es ninguna maravilla, creo que podría haber dado pie a un film mucho más decente que el que nos ofrece James DeMonaco. El film, por ejemplo, cuenta con unos personajes que no acabamos de comprender, con reacciones absurdas, como la del novio de Zoey (Adelaide Kane) o la de los vecinos de la familia Sandin, verdaderos majaderos sin mucha explicación, más allá de que la noche en cuestión los convirtiera de pronto en histéricos flipados.

Pero si los personajes resultan un tanto incomprensibles, lo mismo se puede decir con el desarrollo de la trama, donde se desaprovecha claramente la tensión que podría generar el asalto a la casa de los Sandin con una puesta en escena un tanto precipitada, casi cómica por momentos y sin el nervio que debería tener para mantenernos sin aliento. Todo en realidad es bastante chapucero en líneas generales, desde la dirección hasta algunos detalles del argumento un tanto absurdos, salvo lo sucedido con James (Ethan Hawke), único detalle que rompe la absoluta previsibilidad de los acontecimientos, incluida la consabida sorpresa de última hora, de nuevo chapucera, forzada, increíble y absurda.

En cuanto al reparto, la verdad es que ningún actor se salva del desastre general, quizá tan despistados por lo absurdo del planteamiento como nosotros. Quizá Ethan Hawke sea el único que mantiene algo el tipo, dentro de unos trabajos extraños y bastante artificiales de sus compañeros.

En definitiva, un film que busca solamente dar rienda suelta a ese tipo de violencia un tanto gratuita tan habitual en el cine actual, pero lo hace sin talento y sin nervio.

Curiosamente, la película fue un éxito de taquilla, lo que dio lugar, naturalmente, a dos secuelas más, de manera que ya tenemos una trilogía que viene a confirmar que en la actualidad solo el resultado en taquilla parece ser el único juez válido para las productoras.

domingo, 11 de junio de 2017

La ciudad de las estrellas (La La Land)



Dirección: Damien Chazelle.
Guión: Damien Chazelle.
Música: Justin Hurwitz.
Fotografía: Linus Sandgren.
Reparto: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie DeWitt, J.K. Simmons, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs.

Los Angeles: Mia (Emma Stone), una aspirante a actriz que no ha tenido mucha suerte, se tropieza por primera vez con Sebastian (Ryan Gosling), un pianista de jazz, en medio de un atasco. Luego, se vuelven a encontrar por casualidad un par de veces más, surgiendo de pronto una atracción mutua.

La La Land (2016) representa la vuelta gloriosa del musical al primer plano de Hollywood y, por lo tanto, del mundo del cine. El musical no es un género que me guste demasiado. La interrupción de la acción con los consabidos números musicales me resulta, en general, artificial y cansina. Sin embargo, los premios obtenidos por esta película y una recomendación especial me animaron a darle una oportunidad. ¿El veredicto?

Analizar La La Land requiere enfocarla desde diferentes puntos de vista, pues quizá con uno solo no podría abarcar todo su contenido.

Como musical, la verdad es que la película fue de menos a más. Tal vez porque al principio me costaba meterme en los interludios musicales, que me parecían algo artificiosos. Sin embargo, poco a poco te vas dejando llevar, gracias a una banda sonora muy buena que te va ganando y también porque la película es, en esencia, una obra que se asienta fundamentalmente en la música, hasta el punto que la historia de Mia y Sebastian se ciñe, al menos en el 80% de la película, a los detalles más básicos, casi como una mera excusa para desplegar los números musicales. Por cierto, sea como homenaje a los musicales clásicos o por gusto personal del director, el recurso a los colores me resultar un tanto excesivos, quizá porque no resultaba nada sutil. Puede que estéticamente queden bien, pero le dan a la película un toque un tanto artificial y pretencioso.

En cuanto al reparto, aquí la película merece un sobresaliente. Y es que Emma Stone nos gana en seguida merced a su espontaneidad y a una gracia especial, casi hipnótica. Es el alma de la película y además cuenta con Ryan Gosling que, sin resultar tan fascinante como ella, consigue darle la réplica perfectamente. En ellos recae todo el peso de La La Land y el mérito de que su historia de amor nos enganche es gracias a ellos.

Pero sin duda, lo mejor de la historia estaba reservado para el final. Para unos diez o quince minutos maravillosos que justifican ellos solos el ver la película. Es cuando la historia de Mia y Sebastian por fin cobra forma, deja de ser un mero soporte de la parte musical y se convierte en la esencia y la clave de la película. Son quince minutos donde, sin palabras, en la mejor tradición de cine mudo, se muestra lo que fue y lo que pudo ser en la vida de la pareja. Cómo un viaje por trabajo a Francia separa a los amantes sin remedio, cambiando el curso de sus vidas. Pero la magia del cine crea una segunda oportunidad, al menos durante los breves segundos que dura un sueño, el tiempo que dura una canción al piano. Y entonces todo encaja de nuevo y es hermoso, perfecto y conmovedor. Son unos minutos de buen cine, donde por fin hay una cohesión perfecta entre la música y la historia, sin imposturas, sin artificios, con sinceridad. Lástima que no sea así durante todo el metraje, porque estaríamos hablando de una obra maestra.

Aún así, a pesar de sus defectos, La La Land es un film notable, cuidado, ambicioso y por momentos casi mágico.

La película recibió catorce nominaciones a los Oscar (récord absoluto junto a Eva al desnudo y Titanic), ganando finalmente seis: mejor director, actriz (Emma Stone), diseño de producción, fotografía, canción original y banda sonora.

martes, 6 de junio de 2017

De 5 a 7



Dirección: Victor Levin.
Guión: Victor Levin.
Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans.
Fotografía: Arnaud Potier.
Reparto: Anton Yelchin, Bérénice Marlohe, Olivia Thirlby, Lambert Wilson, Frank Langella, Glenn Close, Eric Stoltz, Dov Tiefenbach, Joe D'Onofrio.

Brian (Anton Yelchin) es un joven escritor al que le han rechazado la publicación de cuanto ha escrito. Un día se encuentra en la calle con una hermosa mujer y la atracción es tal que siente el impulso de cruzar la calle para conocerla. Será el comienzo de una increíble historia de amor.

Lo que más choca al principio en De 5 a 7 (2014) es sin duda el argumento. Cuesta entender que el matrimonio de Arielle (Bérénice Marlowe) y Valéry Pierpont (Lambert Wilson) tengan una concepción tan abierta de su relación, donde se acepta con normalidad absoluta que tu cónyuge tenga un amante, hasta el punto de oficializarse incluso la relación. Pero debemos aclarar que la historia se basa en un caso real que conoció el director en Francia, precisamente. Y el argumento de la película incidirá repetidamente en las diferencias culturales de Estados Unidos y Francia, quizá en un deseo de justificar esa peculiar manera de entender el matrimonio y hacerla más aceptable para el público.

En todo caso, es la premisa básica. Pero la película es mucho más. Es una comedia romántica que nos permite seguir el descubrimiento del amor, en mayúsculas, por parte de Brian, un joven que aspira a ser escritor pero que, como vamos descubriendo poco a poco, aún no ha desembarcado plenamente en el río de la vida. Su contacto permanente con su padres, de quienes parece depender económicamente, mantienen a Brian aún en un estado de juventud casi idílica, sin responsabilidades, dedicado a lo que más le gusta. Sin embargo, su encuentro con Arielle, una mujer mayor que él, mucho más madura, le descubrirá un universo nuevo, lo hará madurar y también lo dejará marcado de por vida.

No sé si uno puede tener varios amores perfectos a lo largo de la vida. Puede que así sea. Pero el mensaje de De 5 a 7 es que solo hay un amor auténtico, arrebatador, poderoso como un ejército invencible. Y ese amor nos llega, a menudo, en nuestra juventud, en los años en que despertamos a la vida, en que somos moldeables, dúctiles y ardemos en deseos de conocer, de experimentar y de saber. Esa etapa única marcará nuestra vida sin remedio, como a Brian, enamorado para siempre de una sirena perfecta, tierna y hermosa como un espejismo.

Puede que el amor verdadero tenga que durar poco y romperse sin remedio. Tal vez por eso es eterno. Lo dice Brian, más o menos, y es que así lo siente y así será.

Sin embargo, el mensaje tan poderoso de la película no siempre se ve acompañado por la misma perfección e intensidad en el relato. Creo que la película, en general, se pierde a veces en pequeñas anécdotas, potenciando la parte de comedia de la historia, y se deja quizá en el camino el adentrarse con más decisión y contundencia en la parte romántica de la historia de amor de Arielle y Brian, dos personajes que me hubiera gustado conocer mejor; pues sus muestras de cariño, sus declaraciones de ese amor único e incombustible se resumen en un par de frases susurradas al oído y poco más. Quizá el gusto por la belleza de la puesta en escena, evidente en todo momento, en marcar los tiempos y las atmósferas, se haya comido parte de la intensidad que se le presupone a un amor tan arrollador como el de los protagonistas. Puede que también la cierta pasividad de Anton Yelchin contribuya a ese tono un tanto frío que trasmite el actor, de igual manera que la rotunda belleza de Bérénice Marlowe es tan perfecta como distante.

Aún así, De 5 a 7 es un film que transmite honestidad. La historia que cuenta es tan cierta como que existe la muerte. A pesar del tono de comedia, la historia impone su rotundidad sin paliativos. Y cuando la vida obliga a aceptar su terrible dictado, es imposible no temblar y sentir la oscuridad invadiéndote el cuerpo.

Puede que algunas cosas, siempre las más importantes, las escriba uno para un único lector.