One Shot (Misión de rescate)

Dirección: James Nunn.

Guión: Jamie Russell.

Música: Austin Wintory.

Fotografía: Jonathan Iles.

Reparto: Scott Adkins, Ashley Greene, Ryan Phillippe, Emmanuel Imani, Dino Kelly, Jack Parr, Waleed Elgadi, Terence Maynard, Jess Liaudin, Andrei Maniata. 

Un escuadrón de los Navy SEAL llega a una prisión de la CIA para llevar a un prisionesro, Amin Mansur (Waleed Elgadi), a los Estados Unidos, pues se sospecha que tiene información que puede ayudar a evitar un atentado islamista.

One Shot (2021) es un film de acción pura y dura sin demasiados adornos argumentales que busca diferenciarse de las cientos de propuestas parecidas apoyándose en un truco técnico: toda la acción transcurre en un solo plano secuencia, o eso es lo que se pretende mostrar, pues hay algunos cortes bien disimulados, de manera que la impresión es la de un desarrollo sin trabas ni montajes.

Sinceramente, nunca me impresionaron estos alardes técnicos, de los que era asiduo Alfred Hitchcock. Recordemos que su película La soga (1948) y su planificación como un solo plano secuencia que puede ser el claro precedente de experimentos parecidos recientes. Creo que si una película solo tiene este recurso como atractivo, poco tiene que ofrecernos.

En realidad, One Shot no es solamente un plano secuencia realizado con bastante pericia, y que nos recuerda a un video juego en muchas fases de las escenas de acción, pues hemos de reconocer que los tiroteos están filmados con mucho acierto y el espectáculo, con los protagonistas rodeados por una fuerza muy superior, es lo suficientemente dinámico y violento como para que nos mantenga en tensión durante toda la cinta. Además, en contra de lo que suele suceder, solamente se salva uno de los protagonistas, lo que sin duda es un toque original que poner en el haber del guión.

Pero aquí se acaban las alabanzas, porque la película es ridículamente simple en cuanto a argumento y más aún a la hora de perfilar a los personajes, que no pasan de una superficialidad absoluta. Con ello, lo que se produce es que somos incapaces de empatizar con ellos, pues parecen personajes de cartón piedra. Es el inconveniente de llevar la simplificación del argumento al máximo y solo preocuparse del aspecto visual. El que los disparos suenen como reales y las luchas estén muy bien planificadas no es suficiente y más cuando tenemos un reparto sin grandes figuras. Se echa en falta un protagonista de la talla de Stallone o Tom Cruise, pero es que en el fondo estamos ante una cinta de presupuesto limitado y eso se nota en el detalle del reparto y también en la parquedad de la ambientación. 

Otro de los detalles que delatan la falta de rigor argumental es la excesiva cantidad de malvados que asaltan la prisión, lo que es del todo incongruente (recordemos que los asaltantes desconocían la presencia de los SEAL) y le da un aire casi surrealista a la película, con villanos saliendo de debajo de las piedras para servir simplemente a la coreografía de muertes interminable, mientras nuestro héroe se desliza entre ellos como si fuera invisible. 

Es evidente que el guión no perseguía crear un relato realista ni profundo, sino simplemente un espectáculo al estilo de un video juego. Si ello es suficiente para entregarse a la "fiesta", adelante, pero creo que a una película se le debe exigir algo más.

Siempre hace buen tiempo

Dirección: Gene Kelly y Stanley Donen.

Guión: Betty Comden y Adolph Green.

Música: André Previn.

Fotografía: Robert Bronner.

Reparto: Gene Kelly, Dan Dailey, Cyd Charisse, Dolores Gray, Michael Kidd, David Burns, Jay C. Flippen. 

Al terminar la guerra, los tres inseparables amigos Ted (Gene Kelly), Doug (Dan Dailey) y Angie (Michael Kidd) han de separarse y empezar su nueva vida como civiles. Pero antes de eso, deciden citarse para dentro de diez años.

Stanley Donen y Gene Kelly tuvieron una estrecha amistad y colaboración en los primeros años de sus carreras y juntos revolucionaron el musical, con innovaciones sorprendentes para la época. Ambos dirigieron el que puede ser considerado el mejor musical de la historia, Cantando bajo la lluvia (1952), y tres años después se volvieron a reunir para filmar Siempre hace buen tiempo, una comedia musical menor pero no exenta de encanto que fue la tercera y última colaboración de ambos.

Siempre hace buen tiempo, de un modo alegre y siempre bienintencionado, posee un argumento que no se limita a presentar el típico romance habitual de los musicales, en este caso entre Gene Kelly y la siempre hermosa y sofisticada Cyd Charisse, una bailarina maravillosa. También el libreto de Comden y Green aborda otros temas interesantes, como la amistad, el paso del tiempo, las ilusiones perdidas, el fracaso o la televisión sensacionalista que, como vemos, no es cosa de estos tiempos.

Por eso, a pesar de tratarse de una comedia, la cinta tiene un poso triste, pues vemos como los diez años que pasan desde que se separan han convertido a los tres amigos en tres desconocidos. Al final, lógicamente, las cosas se arreglan, pero yo tenía la impresión de que en el fondo la reconciliación era puramente pasajera, circunstancial. La vida había jugado sus cartas sin remedio.

En dónde sí que había un rayo de esperanza era en que los tres amigos al fin reconocían sus errores, entendían en que habían fallado, traicionando sus sueños, y decidían empezar de cero, volver a darse una oportunidad, en el matrimonio, en el amor y en el trabajo.

Como vemos, estamos ante una pequeña evolución en el género musical, normalmente más ligero y amable, de ahí que para algunos sea el comienzo del fin del musical clásico para dar lugar a obras de corte muy diferente que se irá acentuando con el paso del tiempo.

Lo que no cambia es el afán de innovar por parte de Kelly y Donen, lo que se puede ver en un par de números musicales, como cuando los tres amigos, en distintos sitios de Nueva York, bailan el mismo número con la pantalla dividida en tres. Pero sobre todo la imaginación se desborda en el número de Kelly con los patines, el más original de toda una cinta que, en el tema meramente musical, es donde menos lograda me parece, con los bailarines frente a la cámara interpretando unas coreografías poco elaboradas y canciones sin el gancho de otros musicales famosos.

A pesar de lo cuál, para los amantes del musical clásico, sigue siendo una buena película, con las virtudes, y defectos, de aquel cine sencillo, de mensajes directos y con ese componente optimista que se imponía siempre a cualquier problema.

Código fuente

Dirección: Duncan Jones.

Guión: Ben Ripley.

Música: Chris Bacon.

Fotografía: Don Burgess.

Reparto: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Michael Arden, Cas Anvar, Russell Peters. 

El capitán Stevens (Jake Gyllenhaal) despierta en un tren en el cuerpo de otra persona. Ha sido enviado ahí por un programa experimental para que intente averiguar la identidad de un terrorista y evitar un atentado devastador.

Para algunos una película maravillosa y original, para otros un film pesado, en todo caso Código fuente (2011) es una historia que no te dejaría indiferente. Pienso que la idea es interesante, pero su realización no del todo brillante.

Código fuente parte de una premisa imposible: poder enviar a alguien al pasado en repetidas ocasiones para evitar un atentado. No es algo nuevo, de hecho enseguida pensamos en Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1993) y ya estamos obligados a un ejercicio de complicidad desde el principio. Lo interesante es ver si el guión y la puesta en escena consiguen hacernos olvidar de alguna manera la imposibilidad de lo que se nos cuenta y que lo vivamos con la intensidad de algo posible.

Y aquí es donde el trabajo de Duncan Jones no logra el éxito. Porque al final en la historia hay dos tramas paralelas: la misión de Stevens de encontrar al terrorista y su intento de comprender qué hace él en ese proyecto. Si lo normal sería esperar que la misión fuera la parte más emocionante, en realidad es la otra historia la que resulta algo más intrigante y con ello se demuestra la debilidad del guión a la hora de intentar implicarnos en la intriga.

Porque los distintos intentos de Stevens de neutralizar la bomba del tren y descubrir al terrorista carecen de la fuerza necesaria para que los vivamos con nervios y con miedo. Son episodios a veces demasiado idiotas, con Stevens tomándola con algún pasajero gratuitamente, sin ningún indicio lógico, de manera que sus actos caen en lo ridículo. Además, sabemos de antemano que logrará su propósito, lo que resta también algo de emoción, pero la manera de resolverse finalmente la misión vuelve a incidir gravemente en los errores anteriores, cayendo de nuevo en la precipitación con un desenlace de baja intensidad.

Más sorpresas depara la otra trama, pues descubrimos que el capitán en realidad ha fallecido y es gracias a un complicado programa, que ni vale la pena intentar comprender, por el que está siendo utilizado su cerebro para enviarlo al tren suplantando la identidad de un pasajero real. Dejando de lado lo inverosímil de la idea, al menos en esta parte del film tenemos algo más de profundidad emocional, pues asistimos al dolor del capitán al conocer su estado y cómo va asumiendo su papel y entabla una bonita relación con Collen Goodwin (Vera Farmiga), que supervisa su misión. No es que la película alcance grandes cotas de profundidad, pero al menos asistimos a ciertos diálogos con sentido, si bien el guión no puede eludir el tono patriótico con la llamada al deber de un militar, el sacrificio y el valor.

Pero es en el final donde el argumento se muestra más convencional, intentando cuadrarlo todo con un final feliz donde todos encuentran su recompensa, por muy extraña que resulte la idea. Aunque, bien mirado, una vez que hemos tragado con todo lo anterior, el final ya no debería sorprendernos demasiado.

Código fuente es una de esas películas en que parece que cabe todo. Su falta de rigor permite un guión lleno de giros que se justifican porque todo es una mera ficción. Pero lo verdaderamente importante es la intensidad, la fuerza de lo que se cuenta y aquí la cinta flojea bastante.

Bodas reales

Dirección: Stanley Donen.

Guión: Alan Jay Lerner.

Música: Burton Lane.

Fotografía: Robert Planck.

Reparto: Fred Astaire, Jane Powell, Peter Lawford, Sarah Churchill, Keenan Wynn, Albert Sharpe, Viola Roche.

Tom Bowen (Fred Astaire) y su hermana Ellen (Jane Powell) son invitados a montar su exitoso espectáculo en Londres con motivo del inminente enlace entre Elizabeth y Phillip Mountbatten.

Dentro de la carrera de Stanley Donen, uno de los directores de musicales por excelencia, a quien debemos obras como Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952) o Siete novias para siete hermanos (1954), Bodas reales (1951) no deja de ser un film menor, una amable comedia romántica de corte clásico pero lejos de los mejores logros de Donen, que tuvieron lugar al lado de su amigo Gene Kelly.

Normalmente, los musicales suelen asentarse en sus números de cante y baile, lo que es lógico. Por ello, el argumento a veces peca de simplista, como es el caso en Bodas reales, que cuenta cómo los hermanos Bowen, ella amante de conquistas intrascendentes y él entregado a su trabajo y renegando del matrimonio, encuentran a la vez el amor, lo que le obligará a reconsiderar las prioridades de sus vidas.

Nada realmente memorable, por lo que el interés de la película son los números musicales a dúo entre Fred Astaire y Jane Powell, que resultan alegres, frescos, algunos con partituras pegadizas aunque nada realmente sorprendente... salvo el número "You're All the World to Me" donde vemos a Fred Astaire bailando en la habitación de su hotel en el suelo, en las paredes y hasta en el techo. Número prodigioso que encaja con el afán innovador del director, que revolucionó el concepto de los números de baile en el cine, y que se rodó en una habitación que giraba sobre sí misma, lo que le otorga a la escena una continuidad fantástica y elimina la necesidad de trucajes, limitándose Fred Astaire a seguir el giro de las paredes para bailar por toda la estancia como por arte de magia.

Precisamente, es la presencia de Fred Astaire la que le confiere un interés especial a esta película cuyo argumento además se inspira en lo que le sucedió realmente a Fred Astaire, que al principio de su carrera formó pareja con su hermana Adele, la cuál dejó la actuación para casarse con el hijo de un duque.

Un Fred Astaire ya maduro cuando rodó Bodas reales pero conservando esa elegancia y talento únicos, lo que convierte sus números de baile en un espectáculo maravilloso. Nunca me ha gustado este género y su manera de interrumpir el desarrollo de la historia con los números musicales, pero no puedo escapar a la magia que desprende este actor cuando se pone a bailar. Tiene algo que no puedo explicar, pero imagino que es solamente un talento descomunal que te hipnotiza en cuando mueve los pies.

Por los demás, estamos ante la típica comedia clásica positiva, donde todo el mundo encuentra la felicidad, donde no hay malas personas y que, aunque sepamos que es todo simple ficción, te deja al terminar una sensación de bienestar en el cuerpo. Aunque no sea real, te imaginas que la vida podría llegar a ser tan maravillosa... y armoniosa.

Ni una palabra

Dirección: Gary Fleder.

Guión: Anthony Peckham y Patrick Smith Kelly (Novela: Andrew Klavan).

Música: Mark Isham.

Fotografía: Amir Mokri.

Reparto: Michael Douglas, Sean Bean, Brittany Murphy, Famke Janssen, Skye McCole Bartusiak, Jennifer Esposito, Oliver Platt, Guy Torry, Shawn Doyle, Victor Argo, Conrad Goode. 

Para intentar recuperar una piedra preciosa robada años atrás, Patrick Koster (Sean Bean) secuestra a Jessie (Skye McCole Bartusiak), la hija del psiquiatra Nathan Conrad (Michel Douglas) para que este trate a Elisabeth Burrows (Brittany Murphy), una joven perturbada que conoce donde está la piedra. 

Ni una palabra (2001) es un thriller que parece buscar en el rebuscado personaje interpretado por Brittany Murphy la nota distintiva que lo diferencie de muchos otros films cortados por el mismo patrón.

La novedad pues reside en la joven Elisabeth que arrastra un trauma desde la infancia (vio cómo mataban a su padre) que la mantiene recluida en instituciones para enfermos mentales desde hace muchos años. Pero el principal error es que no se profundiza en este personaje lo suficiente y al final resulta un cúmulo de lagunas que el guión parece que no quiere, o tal vez no puede, explicar porque, de presentarla como una enferma problemática que ni habla ni deja que la toquen, pasa a hablar sin problemas y permitir el acercamiento del doctor Nathan en un par de minutos de conversación.

En realidad, es la superficialidad e inconsistencia del argumento el principal defecto de esta cinta que, sin embargo, al menos en su primera mitad, mantiene un cierto nivel de intriga bastante eficaz. Como suele suceder, mientras las claves de la historia permanecen ocultas, el misterio nos mantiene atentos. Pero será cuando el guión tenga que mostrar sus cartas cuando se vea con más claridad lo básico de su fundamento.

Porque en el desenlace se precipitan los acontecimientos de manera un tanto mecánica, de modo que la parte que debería resultar más interesante al final es donde encontramos más fallos. La huída de Nathan con Elisabeth, la lucha de la esposa de éste (Famke Janssen) con uno de los villanos (Guy Torry), la inconsistente pero necesaria intervención de la agente de policía Cassidy (Jennifer Esposito), la previsible y torpe pelea final en el cementerio, algunas excentricidades del director con la cámara... todo ello conforma un tramo final de cierta torpeza y carente de imaginación que no aporta nada especial a los momentos clave de la cinta, dejándonos con un mal sabor de boca.

Ni una palabra funciona y entretiene básicamente por el tema del secuestro de la niña y el secreto que guarda Elisabeth, pero no deja de ser un thriller sin una gran calidad que se apoya en un reparto sólido, es verdad, aunque no deja de tener un aire a film de bajo presupuesto. 

Motín en el Defiant

Dirección: Lewis Gilbert.

Guión: Nigel Kneale y Edmund H. North (Novela: Frank Tilsley).

Música: Clifton Parker.

Fotografía: Christopher Challis.

Reparto: Alec Guinness, Dirk Bogarde, Anthony Quayle, Tom Bell, Maurice Denham, Walter Fitzgerald, Victor Maddern, Murray Melvin, Nigel Stock. 

A finales del siglo XVIII, en plena guerra entre Gran Bretaña y la Francia de Napoleón, el capitán Crawford (Alec Guinness) recibe la orden de dirigir la fragata Defiant a Córcega para reunirse con la flota británica. Durante el trayecto, deberá hacer frente a las insubordinaciones y provocaciones del segundo de a bordo, el sádico teniente Scott-Padget (Dirk Bogarde).

Film de aventuras navales, Motín en el Defiant (1962) sigue un desarrollo bastante clásico, con la novedad respecto a otros films de corte similar, como Rebelión a bordo (Lewis Minestone), también de 1962, de que aquí se perfilan dos conflictos: el de una tripulación cansada de las pésimas condiciones en que viven en los barcos, con mala comida y una disciplina rozando la crueldad, y el conflicto entre el capitán y su segundo, un tipo sádico que se apoya en sus influencias políticas para intentar salirse siempre con la suya. Ambos temas se fusionan con eficacia y, unidos a la guerra con Francia, proporcionan una interesante base argumental.

Los mejores minutos de la historia los tenemos concentrados especialmente al comienzo, donde asistimos a la leva forzosa y los comienzos de las desavenencias entre los dos oficiales al mando. Lamentablemente, este buen comienzo no va a tener una acertada continuidad debido a la repetición de los conflictos, con escasa inventiva y novedades, lo que provoca que a mitad del metraje se pierda un poco el interés y la historia entre en un bajón de intensidad importante. 

Afortunadamente, un par de escenas de batallas navales logran levantar el ritmo hasta que al fin llegamos a un desenlace interesante, aunque peque de rutinario y predecible.

Lewis Gilbert se muestra como un director competente, especialmente a la hora de mostrarnos planos de la navegación de la fragata, con interesantes encuadres y  una hermosa fotografía. Otra cosa es el tema de los combates, donde no es tan preciso y no le saca todo el partido a esas escenas que están bien filmadas pero sin llegar a la excelencia. Incluso algunos cortes raros podrían deberse más a defectos de montaje. 

Lo que sí es un acierto es poder tener a Alec Guinness y a Dirk Bogarde al frente del reparto, pues son lo mejor de la película, con actuaciones sólidas que ponen en evidencia el talento de ambos actores, que nunca caen en excesos a pesar de los intensos momentos de enfrentamiento entre ambos. 

Si la comparamos con Rebelión a bordo, por ser del mismo año y con una temática similar, hemos de reconocer que Motín en el Defiant se queda un poco por debajo de su competidora, demostrando que Lewis Gilbert no logra la misma eficacia que Lewis Milestone. 

Con algunos minutos de más y sin la fuerza dramática necesaria, en todo caso Motín en el Defiant resulta una producción más que correcta y no defraudará a los amantes del género. 

Cómo robar un millón y...

Dirección: William Wyler.

Guión: Harry Kurnitz (Historia: George Bradshaw).

Música: Johnny Williams.

Fotografía: Charles Lang.

Reparto: Audrey Hepburn, Peter O'Toole, Eli Wallach, Hugh Griffith, Charles Boyer, Fernand Gravey, Marcel Dalio, Jacques Marin, Moustache. 

El padre de la joven Nicole (Audrey Herburn), Charles Bonnet (Hugh Griffith), es un consumado falsificador de cuadros, continuador de una tradición familiar, pues el propio abuelo de Nicole falsificó en su momento la Venus de Cellini. Para que no se descubra que es falsa, Nicole contrata a Simon Dermott (Peter O'Toole), un ladrón de guante blanco, para que la robe del museo al que la prestó Charles.

Hay un estilo de comedias que mezclan sofisticación con ingenuidad, nos muestran un mundo de lujos bajo una mirada complaciente. Cómo robar un millón y... (1966) es un ejemplo de ese cine con cierto sabor a rancio desde su misma concepción, un cine que parece nacer ya caducado. Si además le añadimos una partida de nacimiento en los años sesenta del siglo XX, una década muy marcada por los cambios, tenemos una película un tanto sosa y con escasa mordiente.

Porque Cómo robar un millón y... es una comedia sin gracia, salvo algunos pequeños detalles al comienzo, apoyada en un argumento absurdo de principio a fin, lo que no ayuda ni a que sigamos la trama con un mínimo de interés ni a que sintamos algo de empatía por unos protagonistas tan aburridos como falsos.

Es verdad que en las comedias no es necesario buscar siempre la verosimilitud, pero el problema de la presente es que parte de unos supuestos realmente absurdos. En realidad, todo en la cinta es absurdo, porque es un estilo de comedia que basa su supuesta gracia en ello: presentar situaciones disparatadas protagonizadas por personajes igualmente disparatados. El problema es que como humor dista mucho de ser ingenioso y cae en infantilismos constantemente, por lo que poco probable que entusiasme a personas con un mínimo de espíritu crítico.

Además, la pareja protagonista tampoco termina de encajar correctamente y su idilio es tan falso como ellos. Es una pena ver a una actriz como Audrey Hepburn encasillada en unos papeles de cartón piedra, repitiendo gestos, peinados y vestuario. Creo que valía para mucho más, pero por desgracia creó una especie de prototipo y en esta cinta repite ciertos parámetros demasiado vistos y con poca inventiva.

Pero además tenemos el problema añadido de que William Wyler no era un director especializado en comedias, sino más bien en dramas y esto se nota en el ritmo tan pausado de la cinta, que por momentos resulta cansina al estirar ciertas secuencias hasta lo imposible, cuando la comedia requiere un dinamismo mayor que Wyler no es capaz de darle.

Definitivamente, no es la mejor película de sus participantes y solamente podría resultar de cierto interés para los curiosos y estudiosos de ciertos períodos de la historia del cine.

Decisión crítica

Dirección: Stuart Baird.

Guión: Jim Thomas y John Thomas.

Música: Jerry Goldsmith.

Fotografía: Alex Thomson.

Reparto: Kurt Russell, Halle Berry, John Leguizamo, Oliver Platt, Joe Morton, David Suchet, B. D. Wong,  Steven Segal, Len Cariou, Whip Hubley, Andreas Katsulas, Mary Ellen Trainor, Marla Maples Trump, J. T. Walsh.

Unos terroristas secuestran un avión con destino a Washington D. C. exigiendo que se libere a su líder, El -Sayed Jaffa (Andreas Katsulas). El experto en inteligencia militar, David Grant (Kurt Russell), sospecha que el hombre al mando de los secuestradores, Nagi Hassan (David Suchet) esconde sus verdaderas intenciones.

Decisión crítica (1996) no va a ofrecernos nada que no hayamos visto cientos de veces en otros films de acción. Incluso no consigue esquivar los típicos giros del guión bien planificados para que todo encaje al final correctamente. Por ejemplo, si alguien se preguntaba a qué venía la clase de vuelo que toma Grant al principio de la cinta (parece gratuita), cuando llegue el desenlace encontrará la explicación. Y son esos detalles los que menos me convencen, pues no dejan de ser bastante tópicos y realmente no aportan nada especial.

Pero lo que hemos de reconocer es la imaginación de los guionistas para no conformarse con un planteamiento ingenioso pero sencillo, que es lo que parece que van a ofrecernos. Sin embargo, la sorpresa es que el guión va complicando las cosas a cada paso y cuando pensábamos que la trama ya no daba para más sustos, los Thomas se las arreglan para darle una vuelta de tuerca más. Es verdad que no todas las complicaciones del guión son igual de eficaces, incluso algunas están ya tan vistas que decepcionan, pero en conjunto los guionistas logran crear un desarrollo denso, bien planificado y que consigue mantenernos a la expectativa a cada instante. Es el gran mérito de Decisión crítica y lo que le da un toque personal que la eleva un poco por encima de la media de este tipo de películas, bastante predecibles y cortadas por un patrón muy parecido.

Otro detalle interesante es que tampoco se recurre al típico héroe casi sobre humano, que sería lo esperable al contar con la presencia de Steven Segal. Sin embargo, su papel es secundario y su temprana desaparición es otro de los detalles sorprendentes de la cinta. El protagonista pasa a ser Kurt Russell, que no tiene las habilidades de un comando bien entrenado. Es otro punto a favor de Decisión crítica, pues con este detalle consigue añadir un plus de emoción que no tendríamos si el protagonista fuera una especie de Rambo todopoderoso.

Además, y esto es algo personal, Kurt Russell es un actor que me gusta mucho desde que lo ví en Golpe en la Pequeña China (John Carpenter, 1986), una comedia de acción genial. Reconozco que no es una gran estrella, pero me parece más que solvente para este tipo de papeles, por lo que es un aliciente más para ver la película.

Es verdad que hemos de reconocer algunos detalles incongruentes, como que al personaje de John Leguizamo le disparen por la espalda, "resucite" para cargarse a Hassan y al final parece que está ileso mientras se despide de Grant. Tampoco el director me parece especialmente bueno, se limita a filmar con corrección pero la fuerza de la película no reside en su trabajo, sino en el guión.

A pesar de su duración por encima de lo habitual, Decisión crítica creo que funciona correctamente si lo que buscas es un pasatiempo sin muchas complicaciones. Logra mantener la tensión, a pesar de que adivinamos el desenlace, y es un producto que cumple con lo que se espera de él.

Solo las bestias

Dirección: Dominik Moll.

Guión: Dominik Moll y Gilles Marchand (Novela: Colin Niel).

Música: Benedikt Schiefer.

Fotografía: Patrick Ghiringhelli.

Reparto: Denis Ménochet, Laure Calamy, Damien Bonnard, Nadia Terezskiewicz, Guy Roger "Bibisse" N'Drin, Bastien Bouillon, Valeria Bruni Tedeschi. 

El coche de Evelyne Ducat (Valeria Bruni Tedeschi) aparece abandonado en una carretera de una zona montañosa francesa y la policía no encuentra ninguna pista sobre el paradero de la mujer.

Solo las bestias (2019), a medio camino entre el thriller y el drama, es una de las películas más singulares, extrañas, complejas y absorbentes que he visto en mucho tiempo. 

La baza principal del film de Dominik Moll es el misterio que envuelve el desarrollo hasta bien entrados en la historia, lo que garantiza nuestra total atención para ir resolviendo una especie de puzzle que se va reconstruyendo lentamente, de sorpresa en sorpresa, hasta dejarnos al final una sensación un tanto amarga por el drama que encierra, pero reconfortante al ver que aún se pueden hacer historias sencillas en planteamiento y muy densas en contenido.

Con el nexo de unión de la mujer desaparecida, se van entremezclando cinco historias de otros tantos personajes unidos por lazos de matrimonio, amor o deseo. Cada personaje participa a su manera en un drama colectivo que va desnudando el alma de cada uno de ellos, mostrando la soledad interior y la falta de cariño que convierten a los protagonistas en seres tan desvalidos como patéticos, llevándolos a cualquier locura con tal de sentirse amados.

Esta es la esencia de un film sin grandes alardes pero que el director sabe desarrollar con mano firme, uniendo las cinco historias con una lógica inquebrantable para ir desvelando lentamente los misterios que se van planteando, básicamente por el comportamiento extraño, huraño y esquivo de los protagonistas, personas completamente solas que buscan una salida a su situación y no siempre son capaces de encontrar el camino correcto.

Es difícil destacar una historia sobre otra, pues todas tienen la misma fuerza en su precisión a la hora de mostrar las necesidades básicas de cada ser humano: sentirse querido. Quizá la de Joseph (Damien Bonnard) resulte la más extraña, pues es evidente que estamos ante una persona enferma, con un grave problema para relacionarse con los demás y que parece que encuentra al fin la compañía perfecta con el cadáver de Evelyne. La escena en que se suicida es tan sorprendente como rotunda por su extraña lógica.

Pero tampoco se queda atrás la de Michel (Denis Ménochet), que ejemplifica de manera un tanto rotunda la crisis de un hombre de mediana edad que cree encontrar de nuevo las ganas de vivir y de amar sin saber que está siendo timado. Lo triste (o revelador) es que, una vez descubierto el engaño, no puede dejar de desear seguir soñando con su amor, aunque tenga que engañarse a sí mismo. Lo que encontró en la pantalla de su ordenador es más maravilloso para él que su propia vida.

Sin duda, Solo las bestias es toda una sorpresa, un film que no te deja indiferente, una reflexión sobre la soledad y la necesidad de amor tan rotunda como eficaz. 

Contraband

Dirección: Baltasar Kormákur.

Guión: Aaron Guzikowski.

Música: Clinton Shorter.

Fotografía: Barry Ackroyd.

Reparto: Mark Wahlberg, Kate Beckinsale, Ben Foster, Giovanni Ribisi, Lukas Haas, J. K. Simmons, Caleb Landry Jones, Diego Luna, David O'Hara, William Lucking, Olafur Darri Olafsson. 

Chris Farraday (Mark Wahlberg) ha dejado la delincuencia y lleva una vida tranquila. Pero cuando su cuñado Andy (Caleb Landry Jones) la pifia con un alijo de droga, Chris deberá volver al contrabando para saldar su deuda con un mafioso local (Giovanni Ribisi).

Contraband (2012), un remake de la islandesa Reykjavík-Rotterdam (Óskar Jónasson, 2008), es de esas cintas que no aburren, pero tampoco deslumbran, quedándose en un término medio: el argumento ofrece unos detalles interesantes, la producción es correcta y como entretenimiento cumple con soltura su cometido.

Tal vez lo más vistoso sea el reparto, con un Mark Wahlberg al que le quedan bastante bien estos papeles de tipo duro. No es un actor que destaque especialmente por su trabajo, pero da la talla y ofrece la imagen adecuada para el papel. Lo mismo podemos decir de Ben Foster, un tipo con una presencia bastante rotunda y que parece hecho a medida para los papeles de villano. Completan el buen reparto la hermosa Kate Beckinsale, que además de un rostro agradable tiene muchas tablas; Giovanni Ribisi, otro actor sólido que siempre destaca y un J. K. Simmons que es tal vez el más desaprovechado, con un rol muy marginal.

En cuanto al argumento, es cierto que partimos de un tópico: el tipo que ha intentado dejar la delincuencia y rehacer su vida y que por mala suerte debe volver al mal camino para salvar a su familia. Lo novedoso es la manera en que se las ingenia para salir airoso, primero de los problemas en le vuelve a meter Andy cuando desaparece con el dinero para pagar los billetes falsos, lo que casi le cuesta la vida, y después para sortear el registro de adunas logrando pasar tanto la droga como los billetes, consiguiendo además que encarcelen a los malos. 

Contado así suena a demasiado peliculero y la verdad es que lo es, pues con la idea de enredar todo lo posible el argumento para subir la tensión y la emoción al máximo nivel, el guión fuerza demasiado las cosas. Es verdad que si no somos muy quisquillosos, hemos de admitir que toda la parte central nos mantiene en vilo, con Chris jugando al límite y con la sorpresa de creer que su esposa (Kate Beckinsale) ha muerto accidentalmente.

Al final, en el fondo, es lo que se espera de una película cuya única meta es entretenernos y aquí el guión juega sus cartas y el resultado es más que aceptable, dejando a un lado la verosimilitud y con el recurso a los típicos trucos y tópicos a los que no escapa el argumento.

En resumen, un film correcto, sin tiempos muertos, para pasar un buen rato con el típico héroe capaz de salirse con la suya a base de ingenio más que de fuerza. Aceptable.