Canary Black

Dirección: Pierre Morel.

Guion: Matthew Kennedy.

Música: Jessica Weiss.

Fotografía: Thierry Arbogast.

Reparto: Kate Beckinsale, Rupert Friend, Ray Stevenson, Goran Kostic, Jaz Hutchins, Ben Miles, Romina Tonkovic, Rok Juricic. 

Avery Graves (Kate Beckinsale), una eficaz agente de la CIA, es chantajeada por un desconocido que ha secuestrado a su marido, David (Rupert Friend), para que le entregue unos archivos secretos conocidos como Canary Black.

Canary Black (2024) es una más de esas tantas películas de acción en las que el papel protagonista lo desempeña una mujer. Es la tendencia en los tiempos actuales, por mucho que cueste ver a la aparentemente delicada Kate Beckinsale repartiendo mamporros a derecha e izquierda y poniendo fuera de combate a tipos en apariencia mucho más duros que ella. Pero todo sea por apartar a las mujeres del típico rol secundario de siempre, aunque se podrían idear papeles más verosímiles. El problema es que la industria carece de imaginación y al final lo que hace es crear el típico film para un hombre sustituyéndolo por la presencia políticamente correcta de una mujer. Y si esta es guapa y sexy, mejor aún.

Dicho lo cuál, el que se espere encontrar un film de acción novedoso, apasionante y con una buena intriga se va a llevar la gran decepción. Porque Canary Black carece de un argumento potente y no deja de ser la concatenación de múltiples escenas de acción sin el más mínimo interés en darles una consistencia más o menos plausible.

La trama es demasiado endeble como para que podamos creérnosla, el desarrollo es tan plano que jamás tememos por el desenlace, de manera que no vivimos ningún momento real de tensión u emoción, en parte también porque los personajes parecen de cartón piedra, pues el guión no se ha preocupado de dotarlos de una dimensión con cierto calado, más allá de las pinceladas básicas.

Además, el reparto tampoco es muy bueno y solo destaca la protagonista que, para colmo, no sé si por culpa del pobre guión o por no tomarse su rol en serio, tampoco es que resulte muy convincente, con una interpretación muy floja.

En cambio, si nos tomamos todo el tinglado a la ligera, que pienso que es la única manera seria de hacerlo, podemos reírnos a gusto con algunos momentos singulares, como ver a la protagonista colgada de un dron gigante.

Canary Black, en definitiva, no es una historia a la que buscar lógica alguna. Puedes divertirte un rato si no le exiges nada de nada, pero, sinceramente, es una mala película.

Invitación a un asesinato

Dirección: Stephen Shimek.

Guión: Gérard Miller, Brian O'Donnell y Jerome Reygner-Kalfon 

Música: Joshua Sohn.

Fotografía: Brian Vilim.

Reparto: Mischa Barton, Chris Browning, Bianca A. Santos, Giles Matthey, Grace Lynn Kung, Seamus Dever, James Urbaniak, Amy Sloan, Alex Hyde-White, Clark Carmichael, Rae Gray, Liz Pazik.

Seis personas sin aparente relación entre sí son invitadas a pasar un fin de semana en la masión que el multimillonario Lewis Findley (Alex Hyde-White) posee en una isla.

Las películas de misterio y crímenes, al estilo de las novelas de Agatha Christie, a la que se rinde homenaje abiertamente en la cinta, resultan siempre en principio atractivas por el reto a nuestra perspicacia y la dosis de intriga que nos garantiza mantenernos enganchados a la trama.

Pero también es evidente, y lo saben perfectamente bien los asiduos lectores de las novelas de la reina del misterio, que muchas veces los desenlaces son decepcionantes por no estar a la altura de nuestras expectativas, jugando con los espectadores con trampas y giros de última hora.

Invitación al asesinato (2023) nos mantiene expectantes sin mucho problema durante la primera parte de la historia precisamente por la intriga en torno a los motivos por los que un millonario reúne a seis desconocidos en una mansión aislada. Se sospecha de inmediato de una serie de crímenes, al estilo de la novela Diez negritos, pero las cosas no irán por ahí, sino que el argumento, desgraciadamente, es mucho menos ingenioso.

Lo que queda claro desde el comienzo es que Invitación al asesinato es una película con cierta buena presentación pero que se desarrolla de una manera un tanto rutinaria, sin nada realmente reseñable, empezando por un reparto con rostros poco conocidos que, si bien no desentona, tampoco brilla especialmente.

El guión tampoco se anda con rodeos y desde el principio vemos que va directo al grano, lo que se agradece para evitarnos momentos sin sustancia pero, al mismo tiempo, deja la impresión de que se trata de una historia sin mucha profundidad. 

Pero es en el momento en que la historia empieza a desvelar sus trucos cuando nos damos cuenta en realidad de la poca entidad del argumento, cuya banalidad sale a relucir en la parte final del relato, con una historia poco convincente y, lo que es peor, una puesta en escena donde el director muestra su absoluta falta de talento para crear un mínimo de tensión en los momentos clave de la cinta.

Al final, tenemos un film muy poco estimulante que solamente puede satisfacer a un público muy poco exigente o sin mucha experiencia en películas de este estilo. Prescindible.

El pecado de Cluny Brown

Dirección: Ernst Lubitsch.

Guión: Samuel Hoffenstein y Elizabeth Reinhardt (Novela: Margery Sharp).

Música: Cyril Mockridge.

Fotografía: Joseph LaShelle (B&W).

Reparto: Charles Boyer, Jennifer Jones, Peter Lawford, Helen Walker, Reginald Gardiner, Reginald Owen, Sir C. Aubrey Smith, Richard Haydn, Margaret Bannerman, Sara Allgood, Ernest Cossart, Florence Bates, Una O'Connor.  

A las puertas de la segunda Guerra Mundial, la joven Cluny Brown (Jennifer Jones) entabla amistad con Adam Belinski (Charles Boyer), un refugiado checo sin un centavo que vive de pequeños "préstamos". 

El pecado de Cluny Brown (1946) es el último largometraje completo del genial Ernst Lubitsch, que murió antes de poder terminar La dama del armiño (1948), que la finalizaría Otto Preminger.

En esta comedia romántica, Lubitsch nos va introduciendo suavemente en un universo maravilloso donde Adam y Cluny representan la inocencia y la espontaneidad en medio de la estricta cultura británica, donde todo está medido, controlado y reprimido. Es más, El pecado de Cluny Brown es más interesante tal vez por todo lo que rodea la sencilla y emotiva historia de amor de los protagonistas que, en esencia, no desvela nada especialmente original pero que tiene, en la delicadeza y fino sentido del humor del director toda su esencia.

Y lo que gira en torno a Adam y la espontánea e inocente Cluny es la férrea sociedad británica, con la separación de clases gravada a fuego en cada uno de sus súbditos, presos en un mundo que aceptan porque no conocen otra cosa. El contraste con el comportamiento de Adam es notable, pero aún más ante la frescura pura y natural de Cluny, un personaje adorable con el que es imposible no encariñarse.

Hoy en día no es posible encontrar un cine perecido. La elegancia de Lubitsch, su manera de transgredir las normas, de insinuar, de contar con elipsis, su sentido de la elegancia, el amor que transmite por sus personajes, incluso los menos favorecidos... todo ello está presente aquí de un modo genuino y casi mágico. Irrepetible.

Atención al tema de las tuberías atascadas, manera muy sutil de referirse al sexo sin resultar vulgar o la elegante escena final donde se cuenta todo sobre la feliz pareja y su futura descendencia con el único recurso de la imagen. 

El grito de la lechuza

Dirección: Jamie Thraves.

Guión: Jamie Thraves (Novela: Patricia Highsmith). 

Música: Jeff Danna.

Fotografía: Luc Montpellier.

Reparto: Paddy Considine, Julia Stiles, Caroline Dhavernas, Gordon Rand, James Gilbert, Arnold Pinnock, Bruce McFee.

Robert Forrester (Paddy Considine), un hombre extraño con antiguos problemas mentales, se dedica a espiar a la joven Jenny (Julia Stiles), que termina enamorándose de él.

Al basarse en la novela homónima de Patricia Highsmith, un referente en literatura de misterio y suspense, esperaba bastante más de El grito de la lechuza (2009), una película que se deja ver con cierto esfuerzo y que, al terminar, te deja con cierto mal sabor de boca.

La primera parte de la historia, cuando Robert y Jenny se conocen y empieza su extraña relación, resulta demasiado larga para lo que tiene que contar, sin poder evitar sentirse un tanto descolocados por el extraño comportamiento de Jenny, a todas luces inusual.

La historia cobra algo de interés cuando entra en juego el ex novio celoso de Jenny, Greg (James Gilbert). Sin embargo, el argumento sigue pecando de poca profundidad y asistimos a los acontecimientos más extrañados que cómplices. Es el principal defecto de la cinta: no llegamos a comprender del todo a los protagonistas y de ese modo es imposible empatizar con ninguno de ellos. Además, es como si todos tuvieran dos caras, lo que en realidad podría ser el objetivo de la película: mostrarnos cómo la gente puede esconder una parte muy diferente de la que se muestra. Si esa era la idea, creo que la manera de expresarla no es la más acertada, pues deja más sombras que certezas, con lo que siempre nos moveremos en el terreno de las dudas.

Y es por eso que todo lo que sucede, bastante dramático por cierto, resulta siempre extraño, casi inexplicable. Está claro que esto resta intensidad al relato pero también una dirección bastante fría que no sabe exponer los hechos con la fuerza necesaria.

En resumen, una película que no termina de concretarse, dejándonos con un mal sabor de boca de lo que podría haber sido y no es.

El secreto de las abejas

Dirección: Annabel Jankel.

Guión: Henrietta Ashworth y Jessica Ashworth (Novela: Fiona Shaw).

Música: Claire M. Singer.

Fotografía: Bartosz Nalazek. 

Reparto: Anna Paquin, Holliday Grainger, Emun Elliott, Steven Robertson, Lauren Lyle, Gregor Selkirk, Kate Dickie. 

Escocia, 1952. Lydia (Holliday Grainger) ha sido abandonada por su esposo (Emun Elliott) y debe criar sola a su hijo Charlie (Gregor Selkirk), por mediación del cuál conoce a la doctora Jean (Anna Paquin), con la comienza a forjar una amistad.

El secreto de las abejas (2018) es una de esas películas que brillan desde el comienzo por su esmerada puesta en escena y el deseo de la directora, visible desde el mismo inicio, de crear una historia emotiva y profunda. Al mismo tiempo, es inevitable reparar en el buen gusto de Jankel a la hora de poner en pie la película, con un cuidado por los detalles encomiable.

Sin embargo, el problema de la cinta es que el argumento es mucho menos consistente que la puesta en escena y eso penaliza el desarrollo. No es que estemos ante una mala película, simplemente es algo que no llega a alcanzar el nivel que hubiera sido deseable.

La base de la historia es la relación amorosa que nace entre Lydia y Jean. Jean es lesbiana y en una época como los años cincuenta del siglo pasado, ello la llevaba casi irremediablemente a estar sola. Annabel Jankel nos cuenta el romance entre ambas mujeres con delicadeza, primando siempre la parte emotiva y sentimental a cualquier enfoque morboso. Eso es importante, pero falla a la hora de profundizar en los personajes, llevando su relación de manera precipitada, tanto en sus inicios como en el desenlace, sobre todo en el desenlace. Podemos imaginar los motivos del mismo, pero se echa en falta algo más de concreción, pues es una parte esencial del relato.

Y esta misma superficialidad se extiende al resto de personajes e incluso a la manera en que se desarrolla la historia, con un final donde se agolpan los momentos cruciales que desbordan una intensidad de la que carecía todo el resto de la cinta, con lo que los percibimos como algo excesivo.

Y el detalle de las abejas impidiendo la violación de Lydia me parece tan forzado como ridículo. Un intento de aportar algo de magia que no terminó de convencerme.

La sensación final es la una historia poco original, que se desenvuelve de un modo previsible y sin deparar sorpresa alguna, como si en lugar de personas de carne y hueso estuviéramos contemplando estereotipos que se comportan como es de esperar.

Cuidado, El secreto de las abejas no es una mala película. Se deja ver con agrado y lo que cuenta puede llegar a conmovernos, pero notamos un abismo entre lo que pretende ser y lo que finalmente consigue.

El estrangulador de Boston

Dirección: Matt Ruskin.

Guión: Matt Ruskin. 

Música: Paul Leonard-Morgan.

Fotografía: Ben Kutchins.

Reparto: Keira Knightley, Carrie Coon, Alessandro Nivola, Chris Cooper, David Dastmalchian, Morgan Spector, Bill Camp.

Loretta McLaughlin (Keira Knightley) trabaja en la sección de Estilo de vida del Boston Record America, pero desea ocuparse de temas más importantes y la oportunidad se presenta cuando cree descubrir un vínculo entre tres asesinatos de mujeres mayores.

Inspirada, que no basada, en un caso real, El estrangulador de Boston (2023) es una película muy bien ambientada que opta por centrarse en la investigación de dos periodistas en lugar de ponerse en la piel del asesino, lo que suele ser lo más habitual. Esta elección condiciona absolutamente todo el desarrollo de la cinta y, aunque la idea es buena, el resultado no lo es tanto.

Por un lado, hemos de agradecer que el director no se centre en los asesinatos, que nunca se muestran (salvo el comienzo de uno), por lo que se evita el enfoque macabro. Ruskin prefiere enfocar la historia desde el punto de vista de Loretta, enfatizando los problemas de una mujer en el mundo laboral y familiar en los años sesenta, donde se las encasillaba en tareas menores y sufrían críticas por no ocuparse de atender su hogar, que era lo que se esperaba de ellas.

Sin embargo, con este enfoque la película pierde brío porque se deja de lado completamente al malo de la historia y, sin un malvado, no hay peligro, ni morbo, ni tensión. 

Además, la investigación es bastante plana, rutinaria incluso, sin grandes momentos que eleven el tono, con lo que el transcurso de la historia es bastante gris y puede llegar a aburrir en algunas fases. Y lo mismo sucede cuando se abordan los temas personales de Loretta, como su relación con su marido (Morgan Spector), un personaje bastante desaprovechado que no acaba de concretarse, con lo que tampoco en este aspecto la cinta logra salir de ese tono gris constante.

Es verdad que en el último tercio la cosa se anima, conforme se van perfilando las posibles soluciones pero, tal vez por ser fiel a la realidad, Ruskin termina también ofreciendo un desenlace algo confuso y donde no consigue elevar el tono, de manera que acabamos de ver la cinta con la misma sensación del comienzo, quedándonos con un relato bien contado pero en el que nos cuesta descubrir el interés. 

Misterio en Venecia

Dirección: Kenneth Branagh.

Guión: Michael Green (Novela: Agatha Christie).

Música: Hildur Guõnadóttir.

Fotografía: Haris Zambarloukos.

Reparto: Kenneth Branagh, Tina Fey, Kyle Allen, Camille Cottin, Jamie Dornan, Jude Hill, Ali Khan, Emma Laird, Kelly Reilly, Riccardo Scamarcio, Michelle Yeoh.

La escritora Ariadne Oliver (Tina Fey) invita a su amigo Hércules Poirot (Kenneth Branagh) a una sesión de espiritismo para que intente desenmascarar a una supuesta vidente (Michelle Yeoh).

Misterio en Venecia (2023) es el tercer acercamiento de Kenneth Brannagh al universo de Agatha Christie, tras Asesinato en el Orient Express (2017) y Muerte en el Nilo (2022), una apuesta bastante segura teniendo en cuenta el atractivo para todo tipo de públicos de las novelas de misterio de la célebre escritora.

La cinta está basada parcialmente en la novela Las manzanas (Hallowe'en Party) y los más reseñable sin duda es llevar el relato a Venecia y darle un toque cercano al terror, ambientándola en un oscuro palacio en medio de una tormenta. Es esta ambientación junto a una maravillosa fotografía lo más hermoso de la película porque, a nivel argumental, la historia no depara nada especialmente memorable.

Da la impresión de que Kenneth Branagh ha puesto el énfasis sobre todo en el apartado visual donde, además de la ambientación antes señalada, disfruta con juegos de cámara y encuadres, logrando con todo ello, es verdad, una atmósfera muy interesante.

Pero donde no logra algo similar es a la hora de desarrollar el misterio que, aunque sigue las pautas tradicionales, con los asesinatos misteriosos y las entrevistas a los sospechosos, no logra ahondar en ningún momento en el misterio ni en los personajes con la fuerza suficiente como para atraparnos en el misterio. Puede que no ayude el toque sobrenatural que intenta darle, pues sabemos claramente que todo tendrá al final una explicación racional. Pero, más allá de eso, el problema está en que no se presenta ningún culpable claro, no sentimos los progresos del detective y la solución se presenta de repente, sin preámbulos, resolviéndose todo de un modo muy poco atractivo y sin nada de garra.

Es como si todo el meollo de la intriga se difuminara en medio de los efectos visuales, sin adquirir el protagonismo necesario. Misterio en Venecia es una producción muy cuidada, pero le falta contenido. Una pequeña decepción.

Enola Holmes

Dirección: Harry Bradbeer.

Guión: Jack Thorne (Novela: Nancy Springer).

Música: Daniel Pemberton.

Fotografía: Giles Nuttgens.

Reparto: Millie Bobby Brown, Louis Partridge, Helena Bonham Carter, Henry Cavill, Sam Claflin, Adeel Akhtar, Fiona Shaw, Frandes de la Tour, Burn Gorman, Susan Wokoma.    

El mismo día que Enola Holmes (Millie Brown) cumple dieciséis años, su madre (Helena Bonham Carter) desaparece. Desafiando a su hermano mayor Mycroft (Sam Claflin), la joven decide partir a Londres en busca de su progenitora.

El personaje de Sherlock Holmes ha dado pie a muchas películas y series basadas en sus aventuras y como la cosa parece que no quiere quedarse ahí, ahora surge una cinta con las aventuras de su hermana, fruto de una serie de novelas escritas por Nancy Springer, lo que parece que puede dar pie a más películas de esta índole, pues ésta que nos ocupa, Enola Holmes (2020), no es más que la adaptación de la primera novela de Springer.

Y como estamos en una época en que las mujeres cobran protagonismo por todas partes, algo encomiable, la historia representa la lucha de dos de ellas, madre e hija, por cambiar un mundo controlado por los hombres. Sin embargo, tal propósito creo que merecía una obra de más calado que esta comedia ligera y un tanto infantil.

Porque Enola Holmes parece más un producto para adolescentes que algo de más entidad. Los casos que se abordan son casi absurdos y carecen de peso como para que nos impliquemos en ellos de una manera seria. Puede que el tono de comedia haga que nunca sintamos peligro o tensión, pero es que tampoco hay nada en el planteamiento y desarrollo que nos atrape de un modo serio. Ni siquiera en los momentos de peligro llegamos a alterarnos mínimamente.

Técnicamente, la película es perfecta. Pero ese detalle ha dejado de resultar algo a considerar, pues con los medios adecuados cualquier cinta puede alcanzar esos niveles. En cambio, es mucho más interesante disfrutar de la maravillosa Millie Brown que dota a su personaje de una frescura y un encanto que sostienen a la película. Sin su presencia, creo que la cosa hubiera resultado aún mucho menos estimulante.

Enola Homes no evita los tópicos más tradicionales en este tipo de historias, con el consabido romance que no se despega de lo esperado. Así, sumado esto a una pobre intriga, el resultado es un film muy plano y sin mucho interés, carente de emoción, moralista y demasiado correcto políticamente. Si de verdad quieren disfrutar de un film sobre Sherlock Holmes con un enfoque diferente y cuando los guionistas aún tenían algo que contar, les recomiendo El secreto de la pirámide (Barry Levinson, 1985), donde se demuestra que un cine enfocado a un público juvenil puede ser maravilloso, es cuestión de imaginación y talento.

Miss Willoughby y la librería embrujada

Dirección: Brad Watson.

Guión: Kate Wood, Chad Law y Josh Ridgway (Historia: Philippe Martínez).

Música: Adam Langston.

Fotografía: Ross W. Clarkson.

Reparto: Nathalie Cox, Kelsey Grammer, Louise Bangay, Tara Fitzgerald, Steven Elder, Caroline Quentin, Wayne Gordon, Scarlett Graham, Giacomo Gex. 

Helen Deakin (Louise Bangay), dueña de una librería, le cuenta a su amiga de Elizabeth Willoughby (Nathalie Cox) que está viendo al fantasma de su difunto padre. A pesar de lo raro del caso, Elizabeth decide intentar averiguar qué está sucediendo.

Miss Willoughby y la librería embrujada (2021) es un telefilm cuando menos extraño en cuanto a su argumento. La primera parte, que cuenta la infancia trágica de la protagonista, se convierte en un añadido sin transcendencia posterior importante, salvo sentar las bases de la relación de Elizabeth con Robert Windsor (Kelsey Grammer) y, tal vez, aumentar el metraje de la cinta.

Pero lo fundamental transcurre tras esa introducción y es la investigación que lleva la protagonista en relación a los extraños fenómenos que suceden en la librería de su amiga, que parece que podría estar perdiendo el juicio.

Si la base argumental es de cierto interés, el desarrollo de la historia resulta bastante fallido. Por un lado, no hay un misterio bien planteado, de manera que en muchos aspectos no parece que estemos ante un film de intriga y solo en el tramo final ésta se hace al fin palpable, pero con un desarrollo y resolución bastante torpes, tanto por la poca emoción de las escenas cruciales como por el pobre desempeño del director, de un talento más que limitado, rozando la torpeza en las escasas escenas de acción.

Tampoco el personaje de Elizabeth resulta convincente, con una pobre actuación de Nathalie Cox para colmo. Es una profesora de la que se dice en varias ocasiones que es muy buena resolviendo casos, lo que nos sorprende pues no hay nada en la historia que confirme ese punto y, por el argumento, parece que es un simple telefilm independiente. Es un detalle más de un guión con ciertas incoherencias que parece que ha sufrido cortes sin mucho cuidado.

También nos deja la impresión de que la película pudiera formar parte de una serie, con la profesora como protagonista resolviendo misterios; sin embargo, a menos que cambiara mucho la cosa en lo relativo a los guionistas y la dirección, no le veo mucho futuro a algo parecido.  

Por otro lado, Elizabeth tiene algunas similitudes con el personaje de Lara Croft (la mansión, una niña rica, entrenada en defensa personal, huérfana...), si bien el enfoque de la película recuerda más a los típicos films de época británicos, donde todo es elegancia y cierta rigidez en las formas, que al enfoque de acción de las películas de la heroína de videojuegos.

Así que si lo que esperas es una película atractiva y que te atrape en sus redes, te llevarás una decepción. Miss Willoughby y la librería embrujada funciona solo si no le pides mucho a la intriga y te contentas con ver una película correctamente elaborada en los apartados técnicos y con un desarrollo agradable aunque poco estimulante. 

Sin malos rollos

Dirección:  Gene Stupnitsky.

Guión: Gene Stupnitsky y John Phillips.

Música: Mychael Danna y Jessica Weiss.

Fotografía: Eigil Bryld.

Reparto: Jennifer Lawrence, Andrew Barth Feldman, Laura Benanti, Matthew Broderick, Natalie Morales, Scott MacArthur, Ebon Moss-Bachrach, Kyle Mooney, Hasan Minhaj.

Para no perder su casa, Maddie (Jennifer Lawrence) decide responder a un anuncio que ofrece un coche a cambio de "espabilar" a un joven introvertido y virgen.

Nueva comedia romántica que tiene en su inverosímil premisa inicial lo único realmente chocante. El resto: nada nuevo.

Sin malos rollos (2023) plantea algo inusual como punto de partida para poder meternos de lleno en lo sustancial de toda comedia romántica: el ligoteo de los protagonistas. Y eso tan inusual reside en que, para salir del bache económico en que se encuentra Maddie, a la que le han embargado el coche con el que podría reunir el dinero suficiente para salir adelante, decide aceptar una oferta de unos padres preocupados por la inmadurez de su hijo Percy (Andrew Barth Feldman) y cuya recompensa, ¡qué casualidad!, es un coche.

Si aceptamos esta manera de prostitución, presentada con toda delicadeza, nos metemos de lleno en la relación que se establece entre la madura y desinhibida Maddie y su joven aprendiz. El problema de Sin malos rollos es que a partir de aquí la historia se convierte en algo mil veces visto y lo que era un mero trámite para Maddie, hacer que Percy perdiera la virginidad, se va complicando a medida que los sentimientos empiezan a florecer entre ambos. 

Lógicamente, hemos de pasar por el consabido conflicto que los distancia antes de la reconciliación final.

Uno de los problemas de la película es que elige la vía más conservadora, evitando conflictos o salidas de tono. De este modo, no nos cuesta adivinar desde el principio que el planteamiento inicial de sexo a cambio de un coche, que podría resultar moralmente cuestionable, no va a producirse o, al menos, de una manera tan edulcorada que resulta algo ridícula en su intento de cumplir con lo propuesto pero sin cumplir realmente con ello. Es lo que tiene intentar ser demasiado correctos. Lo mejor habría sido directamente no plantear la propuesta inicial si no puedes llevarla hasta el final y buscar otra manera más suave de emparejar a los protagonistas. Estamos, una vez más, ante una evidente falta de imaginación por parte de los guionistas.

Afortunadamente, contamos con la presencia siempre maravillosa de Jennifer Lawrence, productora de la cinta, que compone un personaje lleno de encanto, una mujer decidida, atractiva y con un gran corazón, lo que al final es indispensable para que la relación entre ella y Percy llegue a tocarnos un poco la fibra sensible.

Sin embargo, todo es demasiado convencional como para convertir Sin malos rollos en algo memorable. Se limita a cumplir gracias a algunos momentos inspirados, un ritmo ágil, la presencia de Jennifer Lawrence y seguir a rajatabla los tópicos del género. 

Cámara sellada

Dirección: James Foley.

Guión: William Goldman y Chris Reese.

Música: Carter Burwell.

Fotografía: Ian Baker.

Reparto: Chris O'Donnell, Gene Hackman, Faye Dunaway, Lela Rochon, Robert Prosky, Raymond Barry, David Marshall Grant, Bo Jackson, Josef Sommer. 

El joven Adam Hall (Chris O'Donnell) decide ocuparse de la apelación de Sam Cayhall (Gene Hackman), un fanático del Ku Klux Klan acusado del asesinato de dos niños en espera del día de su ejecución en la cámara de gas y que resulta que es su abuelo.

Una adaptación más de una novela de John Grisham, Cámara sellada (1996) no es, a pesar de su argumento, una película demasiado apasionante.

El principal problema de la película reside ya en su planteamiento: el nieto intentando defender a la desesperada a un abuelo racista, persona a la que ni siquiera conoce. Es un inicio tan artificioso que ya nos sitúa a la defensiva pues todo lo que suceda a partir de ahí va a parecer demasiado retorcido como para que podamos creerlo. Incluso el enfrentamiento inicial entre ambos protagonistas no logra engañarnos y somos conscientes de que es solo un recurso algo teatral que, con el paso de los minutos, llevará a cierta reconciliación entre ellos, y este en un detalle que resta incertidumbre y emoción a las múltiples escenas de entrevistas entre el abuelo y el nieto, pues somos conscientes ya del desenlace.

La única duda que puede mantenernos interesados en el relato es el destino final de Sam: si será indultado o no, si el nieto encontrará argumentos para que se revoque la sentencia de muerte. Pero esa duda al final tampoco cobra un peso determinante por culpa de un desarrollo bastante torpe donde las investigaciones de Adam no alcanzan la fuerza necesaria. 

Por si eso no fuera ya grave, los personajes secundarios interpretados por Faye Dunaway, como la tía de Adam e hija de Sam, y por Lela Rochon, ayudante del gobernador, tampoco alcanzan un peso específico en la historia, que se queda reducida básicamente a las conversaciones entre el abuelo y el nieto que, desgraciadamente, tampoco consiguen que nos impliquemos demasiado en su sufrimiento, pues no se despeja nunca la sombra de un argumento poco convincente y sí demasiado teatral.

Además, Chris O'Donnell no me pareció una elección muy acertada para el papel principal. A parte de su supuesto atractivo, no tiene nada que pueda convertirlo en un actor convincente y expresivo y Gene Hackman, éste sí muy correcto, no es suficiente para hacernos olvidar las carencias de su compañero.

En definitiva, una película que no termina de funcionar en nigún plano y que no pasa de correcta.  

El año en que empecé a masturbarme

Dirección: Erika Wasserman.

Guión: Christin Magdu y Erika Wasserman.

Música: Matti Bye y Anders af Klintberg.

Fotografía: Niels Buchholzer.

Reparto: Katia Winter, Jesper Zuschlag, Henrik Dorsin, Nour El-Refai, Vera Carlbom, Pablo Leiva Wenger, Hannes Fohlin, Sara Shirpey, Bahar Pars, Albin Grenholm. 

Hanna (Katia Winter) decide hacer caso a su novio Morten (Jesper Zuschlag) y renuncia a su trabajo para dedicarle más tiempo a él y a su hijo; pero justo en ese momento, Morten rompe con ella.

Uno de los problemas de muchas comedias es que parecen que no se toman en serio lo que nos cuentan, al menos es lo que me pareció esta película sueca con un título, El año en que empecé a masturbarme (2022), que parece un reclamo para atraer a cierto tipo de espectadores.

La cinta no deja de ser la típica comedia romántica, pero con el tema de la masturbación, un recurso que finalmente libera a la protagonista y la reconcilia consigo misma, intenta ofrecer un enfoque novedoso y, en teoría, algo transgresor. Es evidente que el tema del sexo sigue rodeado de muchos prejuicios, pero no creo que a estas alturas, y para el público al que va dirigida la película y la superficialidad con que trata el tema, un enfoque así pueda aportar nada más que un toque ligeramente picante.

En cuanto al desarrollo, la verdad es qua la cinta no tiene mucho que ofrecernos: un desarrollo bastante típico donde en la primera parte todo empieza a torcerse en la vida de Hanna para, en la parte central, tocar fondo para llegar a un final donde las cosas, casi milagrosamente, terminan por reconducirse para ofrecernos un final feliz en el que la protagonista se reencuentra con sus amigos, organiza su vida y se hace plenamente consciente de lo que quiere de la vida.

En teoría, un argumento así no tendría porqué resultar un inconveniente, pero la clave está en que nada en el desarrollo de la historia es interesante. La supuesta comicidad apenas aparece y siempre vinculada al tema del sexo, algo demasiado básico si encima no se aporta mucha originalidad. Tampoco la parte dramática, que es necesaria siempre, tiene demasiada profundidad. En realidad, todo en la película resulta demasiado superficial como para que nos llegue a importar y tanto el planteamiento inicial como la resolución final son casi infantiles, lo mismo que la mayoría de personajes secundarios que caen en lo absurdo o ridículo mayoritariamente.

En verdad, solamente es reseñable la frescura y el encanto de Katia Winter, lo único realmente salvable de la película.

Solo para sus ojos

Dirección: John Glen.

Guión: Richard Maibaum y Michael G. Wilson (Personaje: Ian Fleming).

Música: Bill Conti.

Fotografía: Alan Hume.

Reparto: Roger Moore, Carole Bouquet, Topol, Lynn-Holly Johnson, Julian Glover, Cassandra Harris, Jill Bennett, Michael Gothard, Jack Hedley, Walter Gotell.

Como consecuencia de una explosión accidental, un barco de vigilancia británico se hunde en el Mediterráneo. El barco estaba equipado con un sistema (ATAC) que controlaba los submarinos nucleares de Gran Bretaña. Para evitar que dicho dispositivo caiga en manos enemigas, Bond es enviado para recuperarlo.

Quinta película de Roger Moore interpretando a 007 y una de las peores de la serie desde mi punto de vista y no solamente porque Moore no está a la altura de su predecesor, Sean Connery, que sería un detalle importante pero no crucial, sino porque la cinta parece más un producto de serie B que otra cosa.

Para empezar, Roger Moore ya pasaba de los cincuenta cuando rodó Solo para sus ojos (1981) y el aspecto que ofrece en la película resulta un tanto envejecido para su papel, un detalle demasiado evidente para resultar un James Bond convincente. 

Además, Carole Bouquet puede que fuera una mujer muy hermosa, pero su talento como actriz dejaba mucho que desear y su actuación es realmente lamentable, con una mirada muy bonita pero totalmente inexpresiva.

En cuanto a la trama, es verdad que no podemos esperar nada especialmente original, pues más o menos todas las de la serie siguen un patrón muy parecido, pero en esta ocasión el malvado de turno (Julian Glover) no tiene el peso necesario como para resultar un villano potente y con ello la trama se resiente. Si le sumamos un reparto poco afortunado, con actores secundarios muy mediocres, el resultado es un film en el que cuesta meterse, pues parece, en muchos momentos, una pantomima, una mala copia de las mejores películas de la serie.

Es verdad que algunas escenas de acción están bastante bien ejecutadas, salvando el hecho de que el paso del tiempo las ha envejecido considerablemente, pero ello no es suficiente para mantener en pie una historia que transcurre de manera bastante plana, sin momentos de verdadera tensión y con una dirección bastante rutinaria.

El hecho de que incluso los típicos inventos que ayudan a Bond en cada una de las misiones estén en esta ocasión ausentes por completo es un detalle más que denota el escaso esfuerzo creativo puesto en esta entrega.

He visto muchas películas de esta serie y, reconociendo sus limitaciones, muchas de ellas eran productos bastante cuidados y que ofrecían lo que prometían: un entretenimiento sencillo pero resultón en base a unos principios fijos. Sin embargo, Solo para sus ojos no llega ni a un mínimo deseable, hasta el punto de que estaba deseando que se terminara de una vez.

Suite francesa

Dirección: Saul Dibb.

Guión: Matt Charman y Saul Dibb (Novela: Irène Némirovsky).

Música: Rael Jones.

Fotografía: Eduard Grau.

Reparto: Michelle Williams, Matthias Schoenaerts, Kristin Scott Thomas, Sam Riley, Margot Robbie, Ruth Wilson, Alexandra María Lara, Tom Schilling, Eileen Atkins, Lambert Wilson. 

En 1940, durante al ocupación alemana de Francia, Lucile Angellier (Michelle Williams) se enamora del oficial alemán Bruno von Falk (Matthias Schoenaerts), al que han de alojar forzosamente en la casa propiedad de su suegra (Kristin Scott Thomas).

Suite francesa (2014) está basada en una obra de una escritora que vivió y padeció durante la Segunda Guerra Mundial y cuya hija logró que se publicara su manuscrito mucho tiempo después de la muerte de la autora en Auschwitz. Con estos antecedentes, era lógico que la novela fuera llevada al cine.

La producción de Suite francesa se percibe como ambiciosa desde el mismo comienzo, advirtiéndose los esfuerzos por darle a la obra todo el empaque necesario, con una buena ambientación, una fotografía hermosa y un reparto donde sobresale el nombre de Kristin Scott Thomas junto a Margot Robbie o Lambert Wilson.

Y aquí se terminan los halagos pues, por desgracia, Suite francesa termina siendo un relato tan frío que nos deja casi indiferentes. Y eso es un problema en cualquier tipo de película, pero si estamos ante un drama romántico en plena guerra, con el problema de enamorarse de un enemigo, con el conflicto íntimo y social que ello supone, es gravísimo que el guión no sea capaz de conmovernos un poquito siquiera.

La culpa es que no hay nada en la película que traspase la pantalla. El enamoramiento entre Lucile y Bruno no está bien planteado, brota casi espontáneamente, sin que sintamos el proceso que los lleva a amarse. Y eso en parte porque el guión no logra mostrarnos en profundidad a ninguno de los amantes, solo nos ofrece detalles, sin alcanzar el alma de ambos. Por eso no nos implicamos en sus problemas ni en su pasión, que además se queda reducida a muy poca cosa: un par de besos y unas conversaciones bastante superficiales.

Y lo mismo que sucede con el amor entre los protagonistas pasa también con el conflicto bélico. La ocupación alemana del pequeño pueblo donde viven Lucile y su suegra ofrece muchas posibilidades dramáticas pero, de nuevo, el guión no es capaz de contarlas con la fuerza suficiente para emocionarnos. Ni en los momentos más cruciales sentimos que se nos acelere el pulso.

Es una pena constatar una vez más como el cine actual, impecable en los apartados técnicos, es incapaz de crear verdaderas historias con alma, limitándose, como en este caso, a un relato bien construido y contado pero que carece de profundidad, de sensibilidad y talento. 

Tigre y dragón

Dirección: Ang Lee.

Guión: Wang Hui Ling, James Schamus y Tsai Kuo Jung (Novela: Wang Du Lu).

Música: Tan Dun.

Fotografía: Peter Pau.

Reparto: Chow Yun Fat, Michelle Yeoh, Zhang Ziyi, Chang Chen, Lung Sihung, Cheng Pei Pei.

Li Mu Bai (Chow Yun Fat), un experto paladín, sale de su retiro tras comprobar que solo le produce tristeza. A pesar de ello, sigue decidido a renunciar a su vida anterior y regala su magnífica espada.

Según su director, con Tigre y dragón (2000) solo pretendía realizar la mejor película de artes marciales posible. Y si nos atenemos a las sofisticadas coreografías de lucha, que incluyen sorprendentes saltos y vuelos que desafían a la lógica y provocan sorpresa y, a partes iguales, admiración y risas, el resultado es una película que no nos deja indiferentes.

Pero el mérito de esas coreografías tan hipnóticas no sería suficiente para convertir a esta película en algo especial. El mérito finalmente reside precisamente en todo aquello que se sale de lo habitual en el género. 

Por una lado, tenemos una fotografía y una banda sonora de una belleza incuestionables que le dan una calidad a la cinta deslumbrante. Otro acierto es que, a pesar de su larga duración, no sentimos que le sobre ni un minuto de metraje: la historia fluye armoniosamente y, a pesar de su sencillez, consigue mantenernos expectantes, ansiosos de ver qué nos depara la siguiente escena. Y ello funciona tan bien gracias a la construcción de los personajes. Cada uno de los protagonistas tiene una historia detrás donde se mezclan amor, esperanza, dolor, muerte, venganza, deseo y oscuridad. Y es ahí donde Tigre y dragón logra adquirir una profundidad mayor que la eleva por encima de una simple película de acción y es lo que consigue que nos impliquemos de lleno en la historia.

Esto no impide reconocer que el argumento es bastante simple y algunos diálogos y situaciones parecen casi pueriles, lo que choca con otros momentos en que la cinta alcanza niveles casi poéticos, por lo que la sensación final es la de un extraño producto que a pesar de su simpleza consigue llegarnos al corazón. Tal vez le falte profundidad, pero no debemos olvidar que estamos ante una película de artes marciales, lo que explica ese desequilibrio.

La película ganó cuatro Oscar: mejor película extranjera, mejor banda sonora, mejor fotografía y mejor dirección artística.

El sheriff de Dodge City

Dirección: Joseph M. Newman.

Guión: Daniel B. Ullman y Martin Goldsmith.

Música: Hans J. Salter.

Fotografía: Carl Guthrie.

Reparto: Joel McCrea, Julie Adams, John McIntire, Nancy Gates, Richard Anderson, James Westerfield, Walter Coy, Don Haggerty, Harry Lauter.

Cuando su hermano Ed (Harry Lauter), aspirante a sheriff de Dodge City, es asesinado, Bat Masterson (Joel McCrea) acepta la invitación para presentarse él mismo al cargo.

El sheriff de Dodge City (1959) es la típica película del Oeste de serie B, con evidentes limitaciones de presupuesto, lo que se evidencia en unas localizaciones limitadas y la ausencia de grandes nombres en el reparto y la producción, salvo McCrea que, sin llegar al estatus de figuras como John Wayne, James Stewart o Kirk Douglas, logró hacerse un hueco en la historia del cine del Oeste, especialmente de la mano de Sam Peckinpah.

La cinta gira en torno a la típica historia de venganza pero, sobre todo, ofrece una imagen idealizada del protagonista, un personaje histórico que aquí es el depositario de grandes valores como la valentía, la honestidad o la lealtad. Si bien es casi imposible tomar su retrato muy en serio, lo que es innegable es que la cinta sigue fiel a los principios básicos del género, oponiendo sin matices a los buenos y los malos, estos últimos verdaderos ejemplos de todo lo ruín que puede llegar a ser una persona.

Y es precisamente por esta simplicidad en el planteamiento, con un guión que va a grano y opta por la sencillez de sus planteamientos siempre, que la película resulta por un lado fácil de ver y de disfrutar y, por otra parte, demasiado simple como para elevarla más allá de un film honesto pero limitado.

Sin embargo, es cierto también que posee cierta calidad en sus diálogos, especialmente si los comparamos con los que suelen escucharse en películas recientes y donde, de una manera no exenta de cierta poesía, se expresan los sentimientos y justificaciones de los actos de los protagonistas de un modo bastante certero.

Agradable de ver, especialmente para los amantes del género, la cinta tiene el valor de permitir comprobar cómo las películas más modestas anteriores al auge del cine puramente comercial de nuestros días eran capaces de atesorar cierta calidad a pesar de sus limitaciones.

La isla mínima

Dirección: Alberto Rodríguez.

Guión: Rafael Cobos y Alberto Rodríguez.

Música: Julio de la Rosa.

Fotografía: Alex Catalán.

Reparto: Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, Nerea Barros, Salva Reina, Jesús Castro, Manolo Solo.  

Dos policías de homicidios de Madrid, Pedro Suárez (Raúl Arévalo) y Juan Robles (Javier Gutiérrez), son enviados a un pequeño pueblo en las marismas del Guadalquivir para investigar la desaparición de dos adolescentes.

Galardonada con hasta diez premios Goya, La isla mínima (2014) es una película policíaca donde prima sobre todo la austeridad, palpable en el guión, el desarrollo, la ambientación y los personajes. En principio, es un planteamiento con el que me identifico: no suelo ser partidario de complicar las cosas innecesariamente. El inconveniente es que la austeridad termina por ser casi tediosa.

Reducirlo todo a lo básico en la película acaba por convertirla en algo casi sin alma. Los personajes se quedan en muy poca cosa y, durante la mayor parte de la película, los dos policías se limitan a estar juntos, sin que entre ellos se establezca una clara interacción, que se limita a un par de diálogos sobre el pasado de Juan en la época de la dictadura. Este detalle al final termina aportando la única nota reseñable de la historia: la oposición entre un policía que viene de la dictadura, con su brutalidad a cuestas, y el otro, Raúl, que pretende ser más justo y respetuoso con la ley y las normas. Pero, al final, la realidad acaba imponiéndose a la moral y Raúl termina asumiendo ciertas cosas sin protestar, tal vez por gratitud, pero también por cierta ambición profesional.

Como digo, estas pinceladas, demasiado superficiales tal vez, sobre los protagonistas son lo mejor de La isla mínima que, en el apartado meramente de la intriga policial, resulta un tanto decepcionante, pues la investigación se desarrolla de manera poco brillante, sin grandes momentos de interés, y penalizada por una lentitud y un minimalismo que le quitan cualquier emoción posible. Incluso en los momentos más dramáticos, uno se queda bastante distante del drama que está contemplando.

Puede que parte del problema, si prescindimos de esa búsqueda de una sencillez extrema, la tenga la elección de uno de los protagonistas pues, si Javier Gutiérrez, sin ser un prodigio, mantiene un tono bastante verosímil, su compañero Raúl Arévalo es un palo y no varía la expresión de su cara en ningún momento, como si estuviera anestesiado. Los secundarios tampoco aportan nada, en parte porque están reducidos a una participación mínima, pero tampoco se les ve especialmente dotados para el drama. Da la impresión de que todos estudiaron el mismo método de interpretación consistente en hablar sin entonación y tener una posa apática. 

Poca cosa positiva saco finalmente de la cinta, salvo quizá la fotografía y el retrato de un sur atrasado, inculto y miserable.

El extraño

Dirección: Chloe Okuno.

Guión: Chloe Okuno y Zack Ford.

Música: Nathan Halpern.

Fotografía: Benjamin Kirk Nielsen.

Reparto: Maika Monroe, Karl Glusman, Burn Gorman, Mãdãlina Anea.

Julia (Maika Monroe) se traslada junto a su marido Francis (Karl Glusman) a Bucarest cuando él es ascendido en su trabajo. Nada más instalarse en su apartamento, Julia se da cuenta de que un vecino no para de espiarla desde el edificio de enfrente.

La primera palabra que se me ocurre tras ver El extraño (2022) es minimalismo. Chloe Okuno realiza un ejercicio en el que todos los elementos están reducidos a lo mínimo: reparto, escenarios, diálogos, situaciones... Y el mérito de la directora es sacar casi todo el jugo a esos pocos elementos, logrando crear un clima de tensión que llega a ser agobiante durante toda la duración de la cinta.

La historia se centra en Julia, una mujer que llega a Rumanía acompañando a su esposo y que se siente desubicada y sola. No conoce el idioma ni a nadie en el país y se pasa el día sola, pues el marido trabaja hasta altas horas de la noche. Y en medio de esa soledad, descubre que un vecino la espía constantemente y, a esa inseguridad de sentirse observada, se suma la noticia de un asesino en serie de mujeres. Este es un detalle clave para explicar el miedo creciente de Julia y a la vez sirve de explicación de por qué su marido no la toma demasiado en serio, pensando que está volviéndose paranoica sin muchos motivos.

A partir de ahí, Okuno mantiene la tensión y, sobre todo, nos transmite la soledad de Julia, incomprendida por el marido, que era su único apoyo, hasta el punto de querer regresar a Estados Unidos superada por la situación.

Okuno logra que veamos con una claridad incuestionable el miedo que pueden sentir las mujeres en el día a día cuando un desconocido las observa, las sigue... puede que no haya nada detrás de ello, puede que para un hombre su miedo sea exagerado... hasta que Okuno nos lo hace ver desde el punto de vista de Julia y sufrimos con ella y comprendemos su desvalimiento en un país extranjero, sola, sin nadie que la crea.

Tal vez a este ejercicio tan sobrio le sobre el final tramposo que parece innecesario y desentona un poco con el desarrollo tan eficaz de toda la película. Pero tampoco es un detalle que estropee el resultado e incluso proporciona una justificada y necesaria satisfacción.

Sin duda, una película muy interesante.

Disturbia

Dirección: D. J. Caruso.

Guión: Christopher B. Landon y Carl Ellsworth (Histaria: Christopher B. Landon).

Música: Geoff Zanelli.

Fotografía: Rogier Stoffers.

Reparto: Shia LaBeouf, Sarah Roemer, Aaron Yoo, David Morse, Carrie-Anne Moss, José Pablo Cantillo, Viola Davis, Matt Craven.

Condenado a arresto domiciliario por pegar a un profesor, el joven Kale (Shia LaBeouf) se entretiene espiando a los vecinos. Pronto empieza a sospechar que uno de ellos (David Morse) puede ser un asesino en serie.

Disturbia (2007) está inspirada en La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954) pero, salvo el tema del personaje que espía a los vecinos, el desarrollo es bastante diferente, comenzando por el personaje principal. De ahí que no crea oportuno establecer comparaciones entre ambas, donde la película de Caruso saldría bastante mal parada.

Analizándola por sus valores intrínsecos, lo primero que llama la atención en Disturbia es su guión, realmente superficial y escasamente imaginativo. La escena inicial de la pesca entre padre (Matt Craven) e hijo, que servirá para justificar el trauma de Kale por la muerte de su padre, desvela ya la poca importancia que los guionistas le otorgan a construir una historia sólida y cómo solamente parecen interesarles los adornos y lo efectista, como se ve en la escena del accidente de coche, más propia del cine de acción.

La poca originalidad del argumento se constata en todo lo demás, con un desarrollo sin imaginación, muy previsible y dónde los momentos de tensión resultan muy artificiales y poco convincentes, con la exageración de convertir la casa del asesino en una especie de parque de atracciones de los horrores. 

Lo peor, con todo, es la escasa definición de los personajes, como la madre de Kale (Carrie-Anne Moss), que no deja de ser algo meramente decorativo, y especialmente los protagonistas, sin profundidad, ni como individuos ni en sus relaciones, acercándose a la típica película romántica para adolescentes en muchos momentos más que a una sólida historia de intriga.

El resultado es una película muy superficial, sin alma, que casi funciona mejor en su vertiente cómica que en la dramática, lo que es un claro reflejo de la poca consistencia de un guión que habría tenido que pegarnos al asiento atrapados por al tensión y en cambio nos deja bastante indiferentes.

Una joven prometedora

Dirección: Emerald Fennell.

Guión: Emerald Fennell.

Música: Anthony Willis.

Fotografía: Benjamin Kraĉun.

Reparto: Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Clancy Brown, Jennifer Coolidge, Laverne Cox, Chris Lowell, Molly Shannon, Connie Britton.

Cassie (Carey Mulligan) trabaja como camarera día, después de abandonar su carrera de medicina, y por las noches frecuenta bares fingiendo que está borracha para castigar a posibles agresores sexuales.

Una joven prometedora (2020) es un film que te deja mal cuerpo, por todo lo que lleva dentro, por cómo lo cuenta Emerald Fennell y por su desolador desenlace. Si es lo que pretendía la directora, y también guionista, bravo por ella.

La película nos mete en la piel de Cassie, una joven traumatizada por la violación y muerte de su mejor amiga a manos de unos compañeros de universidad. Cassie no ha logrado superar ese trauma y lleva una vida triste, sin amigos, con un trabajo anodino y donde la sola vía de escape es provocar a posibles agresores sexuales para vengarse de ellos. Al final, también decide saldar cuentas con los responsables de la agresión a su amiga y los que miraron para otro lado en lugar de intentar hacer justicia.

Con un argumento así, es fácil que nos quedemos atrapados con la historia, sobre todo porque Cassie es un personaje muy triste, sin expectativas, sin esperanza, anclada en el pasado, en ese dolor que la ha cambiado como persona.

Es verdad también que la venganza de Cassie es un tanto descafeinada, lo que deja trazas de un moralismo extraño, donde Cassie, más que ejercer la justicia por su cuenta, parece contentarse con hacer reflexionar a sus víctimas sobre sus actos; lo que hace que no estemos ante la típica historia de venganza tantas veces vista. Y es lo que convierte a Una joven prometedora en un film realmente original que ha sabido darle una vuelta de tuerca a un género anclado en unos argumentos muy estereotipados.

Si toda la película resulta bastante dolorosa, esto se acrecienta con un final desolador, sorprendente, que termina por dejarnos muy mal cuerpo. Sin duda, dado el tema tratado, se puede entender, pero en el fondo hubiera deseado el típico final feliz, tal vez porque la realidad que nos muestra Una joven prometedora es demasiado dura y soñábamos con que Cassie, un personaje con el que empatizamos, pudiera al fin pasar página y ser feliz.

En todo caso, con sus debilidades, como un guión demasiado forzado en algunos momentos, me pareció una película realmente original y con un mensaje que te golpea de lleno. 

Una joven prometedora se llevó el Oscar al mejor guión original.

Final feliz

Dirección: Joosje Duk.

Guión: Joosje Duk.

Música: Alexander Reumers.

Fotografía: Ezra Reverda.

Reparto: Gaite Jansen, Martijn Lakemeier, Joy Delima, Sinem Kavus, Claire Bender, Sidar Toksöz. 

Luna (Gaite Jansen) y Mink (Martijn Lakemeier) llevan un años juntos y, aunque son bastante felices, Luna tiene un problema importante: no consigue llegar al orgasmo cuando tiene sexo con su novio.

Película holandesa distribuida por Netflix, Final feliz (2023) es una comedia romántica extremadamente sencilla. Y ahí reside su encanto y también por ahí se pueden encontrar sus debilidades, pues evidentemente no estamos ante una gran película, lo que no quiere decir que no funcione.

Para empezar, Final feliz nos cuenta una historia de amor que se hace entrañable por los protagonistas: una pareja de dos buenas personas que nos caen bien desde el primer minuto. No son los típicos guaperas perfectos, inteligentes, sexis... es gente muy normal y no es difícil ponerse en su piel.

Además, la base de sus problemas, el que ella no consiga llegar al orgasmo y tenga problemas para decírselo a su pareja por miedo, es un toque realmente original que está tratado con elegancia y muy buen gusto, sin caer nunca en chistes fáciles o momentos groseros. La elegancia al tratar todas las escenas sexuales es tal vez otro de los grandes méritos del director. Por ejemplo, en las escenas de cama, logra transmitir la pasión del momento sin llegar a lo vulgar, conservando incluso un toque romántico.

Tampoco se recurre a las exageraciones, chistes fáciles, personajes secundarios extravagantes... está todo controlado, nada sobresale del enfoque elegante y amable, con lo que podemos disfrutar de una historia que se desarrolla con naturalidad y sin estridencias. Me pareció un enfoque perfecto dado el tema tratado.

Pero el mayor acierto de la película reside en contar con Gaite Jansen, una actriz atractiva, es cierto, pero cuyo mayor encanto reside en su frescura, su naturalidad, incluso su fragilidad. Acabas enamorándote de ella por cómo es. Creo que con otra actriz, Final feliz no hubiera funcionado tan bien. Gaite Jansen es el alma de la historia.

Así pues, si buscas una comedia con un toque diferente, elegante, ágil, ligera y entrañable, Final feliz no te decepcionará.

La perfecta desconocida

Dirección: Joshua Marston.

Guión: Joshua marston y Julian Sheppard.

Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans.

Fotografía: Christos Voudouris.

Reparto: Rachel Weisz, Michael Shannon, Michael Chernus, Azita Ghanizada, Omar Metwally, Chris Lowell, Frank De Julio, Condola Rashad, Danny Glover, Kathy Bates.

El día del cumpleaños de Tom (Michael Shannon), un amigo suyo aparece con Alice (Rachel Weisz), una joven a la que acaba de conocer. 

La perfecta desconocida (2016) nos ofrece una muestra más de lo curioso e imaginativo que puede ser el cine independiente, último refugio de propuestas serias. Pero, por desgracia, es un tipo de cine que, por su propia naturaleza, está alejado del gran público. Y esta película nos demuestra el motivo.

La perfecta desconocida tiene muchos detalles interesantes pero, al mismo tiempo, patina en otros, como por ejemplo un ritmo demasiado cansino o los esfuerzos del director en dejar su impronta, lo que da como resultado algunas imágenes sugestivas y otras muchas innecesariamente personales. 

Pero prefiero quedarme con lo positivo de la película.

En primer lugar, el argumento realmente original donde se nos cuenta una historia de amor truncada y, a pesar de todo, auténtica. Porque Alice, que entonces tenía otro nombre, y Tom tenían una historia de amor en su época de estudiantes. Pero ella, un día, desapareció sin dejar huella. Quince años después, regresa con la sola intención de ver de nuevo a Tom. Descubrimos entonces, a la vez que su antiguo novio, los motivos de su desaparición que no son otros que la necesidad de Alice de reinventarse, cambiar de vida, de oficio, de nombre, viajando por todo el mundo y, cuando siente que su nueva vida se ha agotado, emprender un nuevo cambio.

La verdad es que, aunque algo inverosímil, Alice ejemplifica el deseo de muchos de poder cambiar su rutina, escapar de una realidad insatisfactoria y empezar de nuevo. Casi nadie tiene el valor de hacerlo y en la película se ofrece una imagen un tanto idealizada, pues presentan a Alice como alguien que consigue destacar en cada nueva profesión, algo al alcance de muy pocos. Pero el contraste que se establece con Tom, que lleva toda su vida con un trabajo que no le gusta y al que es incapaz de renunciar, valida la elección de Alice y, al mismo tiempo, explica el porqué no pueden estar juntos: son demasiado diferentes, a pesar del amor que se tuvieron y que aún sienten.

Me parece maravillosa la escena en que Alice involucra a Tom en sus mentiras, dándole una nueva identidad que debe adoptar a la fuerza. Es uno de los mejores momentos de la película.

La perfecta desconocida me parece una singular y original historia de amor, alejada de los tópicos y del consabido final feliz. Pero por ello, muy sincera y creíble y contada con mucha delicadeza. Sin caer en excesos, percibimos el dolor de ambos protagonistas por lo que no pudo ser y su resignación ante un futuro alejados de nuevo. Pero en la última escena, Tom tal vez parece que ha encontrado la fuerza para acompañar a su esposa (Azita Ghanizada) a su nuevo destino. Puede que no esté todo perdido para él. 

Siempre fiel

Dirección: André van Duren.

Guión: Paul Jan Nelissen, Elisabeth Lodeizen y André van Duren.

Música: Fons Merkies y Laurens Goedhart.

Fotografía: Josje van Erkel.

Reparto: Bracha van Doesburgh, Nasrdin Dchar, Gijs Naber, Elise Schaap, Matteo Simoni, Hannah Hoeskstra. 

Bodil (Bracha van Doesburgh) e Isabel (Elise Schaap), dos buenas amigas, se van de fin de semana juntas para echar una cana al aire, cubriéndose la una a la otra con sus mentiras. Pero todo se complica cuando Isabel aparece asesinada.

Película de suspense holandesa que en realidad se mueve en terrenos muy vistos, con pistas falsas, giros de última hora... no tiene nada realmente apasionante, pero funciona por el tema del suspense. Este tipo de argumentos, donde se mantiene en vilo al espectador hasta el último momento, suelen al menos atraparnos por el mero hecho de que deseamos conocer la verdad. Es pues nuestra curiosidad la que los mantiene en pie.

La diferencia básica entre una buena película y una mala reside en si el desenlace es coherente o no, entre otros detalles. A menudo, todo se viene abajo por lo rocambolesco del final, que arruina nuestras expectativas.

En el caso de Siempre fiel (2022) estamos ante el típico final con sorpresas de última hora, lo que no suele gustarme demasiado pero, en esta ocasión, tampoco decepciona especialmente. Aunque es enrevesado, tiene su lógica, lo mismo que las pistas falsas que nos llevan a dudar de algún personaje en concreto y que, al fin y al cabo, entendemos su necesidad para mantener la intriga.

Pero a parte de una historia coherente, también hemos de esperar que el resto de la producción tenga cierto nivel y la verdad es que Siempre fiel no es precisamente un buen ejemplo de algo notable. Se mueve en unos términos decentes, pero bordeando la mediocridad con bastante frecuencia. Se echa de menos un mejor desarrollo de los personajes, por ejemplo, o un mayor nivel de los actores. 

Por lo tanto, no es una gran película, simplemente un pasatiempo que, si soy sincero, me resultó entretenido. Lo mejor que puedo decir de él es que se me pasó muy rápido, sin llegar a aburrirme nunca. Ya es algo.

365 días más

Dirección: Barbara Bialowas y Tomasz Mandes.

Guión: Blanka Lipinska, Tomasz Mandes y Mojca Tirs (Novela: Blanka Lipinska).

Música: Dominik Buczkowski y Patryk Kumór.

Fotografía: Bartek Cierlica.

Reparto: Anna Maria Sieklucka, Michele Morrone, Simone Susinna, Magdalena Lamparska, Otar Saralidze, Ewa Kasprzyk. 

El matrimonio de Laura (Anna Maria Sieklucka) y Massimo (Michele Morrone) está en crisis. Además, Laura no logra olvidarse de Nacho (Simone Susinna), con el que había tenido una aventura y que sigue enamorado de ella.

365 días más (2022) es la tercera entrega de la saga que había comenzado en 2020 con 365 días (Barbara Bialowas y Tomasz Mandes). 

En esta entrega, el guión vuelve a centrarse más en la pareja protagonista y sus problemas personales que en las intrigas mafiosas que habían copado la segunda entrega. Pero si las debilidades del guión eran evidentes en las dos primeras partes, aquí se agudizan aún más, volviendo a caer en una historia que no avanza y, lo peor de todo, es que carece de alma: en ningún momento llegamos a involucrarnos con los problemas de los protagonsitas, lo que es un lastre tremendo.

Además, da la impresión de que el guión intenta alargar el drama como sea, lo que provoca escenas de escasa relevancia y la impresión de agotamiento.

El colmo llega con un final un tanto absurdo que busca dejar las cosas en el aire pero que revela su escasa originalidad y su nulo poder de convicción.

Al final, solamente se salvan la cuidada ambientación y la fotografía, porque incluso el componente erótico es muy poco reseñable.

La peor de las tres entregas.

365 días: Aquel día

Dirección: Barbara Bialowas y Tomasz Mandes.

Guión: Mojca Tirs, Blanka Lipinska y Tomasz Mandes (Novela: Blanka Lipinska).

Música: Dominik Buczkowski y Patryk Kumór.

Fotografía: Bartek Cierlica.

Reparto: Anna Maria Sieklucka, Michele Morrone, Simone Susinna, Magdalena Lamparska, Otar Saralidze, Ewa Kasprzyk. 

Laura (Anna Maria Sieklucka) y Massimo (Michele Morrone) se han casado. Pero una familia mafiosa rival conspirará contra Massimo y utilizará a Laura para hacerle daño.

365 días: Aquel día (2022) es la continuación de la existosa 365 días (Barbara Bialowas y Tomasz Mandes, 2020).

Sin embargo, esta segunda entrega acarrea los problemas de la primera, que no soluciona, y encima pierde el toque original de la precedente, convirtiéndose en algo mucho menos original.

Los problemas de la primera entrega eran básicamente el guión, que terminaba siendo muy repetitivo y predecible, y que la dirección no era capaz de sacar todo el partido, en el terreno del erotismo, que ofrecía la historia. Contaba con el aliciente de la novedad y la pareja protagonista, pero ello no era sufuciente.

Y esta continuación incide en lo mismo. Tal vez a nivel del argumento la historia es más rica que la primera, pues se amplían los registros con la aparición de la intriga de la familia rival. Pero ello tiene otra consecuencia no muy positiva: la cinta pierde parte del morbo y el erotismo baja muchos grados, de manera que las escenas supuestamente picantes terminan por no cumplir su cometido y, si la esencia de un film erótico se pierde... Además, la trama de la mafia está tan mal argumentada, es tan rocambolesca y absurda que el film se convierte casi en una bufonada.

Así que lo único positivo que encontramos en esta secuela es de nuevo una producción cuidada, elegante, con una buena fotografía, pero que no consigue ni mantener el nivel de la primera.  

365 días

Dirección: Barbara Bialowas y Tomasz Mandes.

Guión: Tomasz Klimala, Tomasz Mandes y Barbara Bialowas (Novela: Blanka Lipinska).

Música: Michal Sarapata y Mateusz Sarapata.

Fotografía: Bartek Cierlica.

Reparto: Anna Maria Sieklucka, Michele Morrone, Bronislaw Wroclawski, Otar Saralidze, Magdalena Lamparska, Natasza Urbanska, Grazyna Szapolowska. 

Massimo (Michele Morrone), miembro de la mafia siciliana, ha tenido una visión de una hermosa mujer (Anna Maria Sieklucka). Cuando la encuentra en la vida real, obsesionado con ella, la secuestra para intentar que antes de un año se enamore de él.

Producción polaca de gran éxito en Netflix, 365 días (2020) sigue un poco la estela de 50 sombras de Grey (Sam Taylor-Johnson, 2015), es decir, una historia algo rocambolesca donde el objetivo es ofrecernos un film erótico.

Por lo tanto, el análisis de la cinta se rige por un parámetro evidente: ver si las imágenes logran su objetivo de funcionar como un estímulo para los espectadores. La elección de la pareja protagonista va en este sentido y creo que funciona muy bien, pues tanto Michele Morrone como Anna Maria Sieklucka son realmente atractivos.

Otro cantar son las escenas sexuales, donde la dirección no se muestra demasiado inspirada, de manera que, salvo el morbo del planteamiento y la belleza de los protagonistas, la cinta no es muy original. Es más, creo que se desaprovecha todo el potencial de la historia con una puesta en escena lujosa pero sin mucha vida dentro.

Pero el principal problema de la película es su argumento. Y ya no me refiero a lo complicado que resulta aceptar el asunto del secuestro, presentado de manera un tanto burda, sino que conforme avanza la película comprobamos que el guión tiene muy poco que ofrecernos y se desarrolla de manera repetitiva. También en este apartado echamos de menos algo más de elaboración del guión, pues aún con lo inverosímil del planteamiento, a nivel estrictamente del erotismo perseguido, ese era un  filón que daba para bastante más.

¿Merece la pena? Bueno, si sabemos lo que ofrece y no somos demasiado exigentes, la producción está bien cuidada, la base de la historia tiene su punto de interés y originalidad y el desarrollo, aunque sin nada especialmente destacable, se lleva bien. Permite pasar el rato y como las propuestas de este tipo escasean, pues al final no resulta del todo desaprovechable, aunque siempre dejando la sensación de que no se sacó todo su potencial y no deja de ser un film mediocre.

Below Her Mouth

Dirección: April Mullen.

Guión: Stephanie Fabrizi.

Música: 

Fotografía: Maya Bankovic.

Reparto: Natalie Krill, Erika Linder, Sebastian Pigott, Mayko Nguyen, Tommie-Amber Pirie, Daniela Barbosa. 

Jasmine (Natalie Krill) vive con su prometido (Sebastian Pigott), con quien está planeando su boda. Pero una noche conoce a Dallas (Erika Linder), una lesbiana que se interesa abiertamente por ella y ese encuentro cambiará su vida.

Lo primero que habría que destacar de Below Her Mouth (2016) es que se trata de un film erótico realizado solo por mujeres, desde la directora hasta un reparto donde solamente hay un hombre con un rol importante. Ello le da un punto de vista femenino que se nota en un guión que no se queda en un simple relato básico que sirva de soporte a las escenas de sexo y también en que dichas escenas están filmadas con muy buen gusto, además de ser lo suficientemente explícitas, intensas y extensas para cumplir con nota el papel que se les asigna en una película de estas características.

Es cierto que la historia no es excesivamente original en lo esencial, pero creo que un film erótico no pretende sentar cátedra en cuanto al nivel literario del argumento. Pero si bien no es un guión profundo, sí que es coherente, se preocupa de amueblar la historia mínimamente y en especial le da cierta profundidad a las protagonistas, que resultan creíbles y logran hacer comprensible su romance en base a su pasado.

Además, muchas películas del género parecen demonizar el tema de la infidelidad o salirse de lo estipulado y terminan por degenerar en panfletos moralizadores que previenen contra los peligros de unas relaciones que no sigan las pautas ordinarias. Below Her Mouth tiene la virtud de contar una historia sin pretender dar lecciones de nada. Es sencillamente la historia de una pasión tan fuerte que rompe con lo ordinario. Puede que para algunos no resulte convincente, pero en esencia estamos ante una historia directa que deja claro a dónde va y el por qué. En este sentido, me convenció.

Quizá en el tema del reparto encontremos los puntos más débiles de la cinta. Erika Linder no me convenció como actriz y es un detalle que termina por perjudicar un poco la historia. Lo compensa en parte Natalie Krill, mucho más convincente y con una belleza deslumbrante, algo básico para que el componente erótico funcione.

En resumen, Below Her Mouth es un film erótico y creo que esa debe ser la base de su valoración. Y desde ese enfoque, creo que es lo suficientemente interesante para valorarlo positivamente. Además, es elegante, intenso y con el suficiente apoyo argumental para que el relato se sostenga y nos interese.

Late Night

Dirección: Nisha Ganatra.

Guión: Mindy Kaling.

Música: Lesley Barber.

Fotografía: Matthew Clark.

Reparto: Emma Thompson, Mindy Kaling, John Lithgow, Hugh Dancy, Reid Scott, Max Casella, Denis O'Hare, Amy Ryan, Paul Walter Hauser.

Katherine Newbury (Emma Thompson) lleva años al frente de un programa de televisión que en su momento tuvo mucho éxito. Sin embargo, en los últimos años, el programa ya no funciona tan bien y la presidenta de la cadena (Amy Ryan) se plantea sustituirla.

Absolutamente nada en Late Night (2019) se sale de la mediocridad y la culpa reside en un guión demasiado pobre.

Para empezar, nada en la historia que se cuenta en Late Night es realmente original. Tenemos a una mujer en crisis profesional que, de entrada, se presenta como alguien egocéntrico y antipático. Sabemos claramente que eso va a cambiar conforme avance la película. Y lo hará gracias a la llegada de la nueva guionista a su programa, Molly (Mindy Kaling). Y otra vez constatamos la falta de originalidad pues, del choque inicial entre Katherine y Molly, vamos a ir asistiendo a su entendimiento progresivo y finalmente a su camaradería y amistad. Todo demasiado visto y, encima, presentado de una manera totalmente vulgar y previsible.

Pero lo peor es que da la sensación de que el guión no terminó de desarrollarse, que se quedó en el boceto y la relación de las protagonistas, así como otros temas secundarios, no se desarrolló del todo. Viendo la película tenía la impresión de que todo estaba concentrado, que faltaban escenas que ahondaran en los personajes principales y sus relaciones, que todo era tan esquemático que no teníamos sensación de que los personajes fueran reales. La impresión general era esa: irrealidad, artificio, falta de esencia.

Tampoco como comedia es especialmente interesante. No hay nada que nos emocione, simplemente es una historia amable con el esperado final feliz, pero ni que nos aporta nada a cerca de los personajes ni tampoco sobre los temas abordados, como el del éxito, las envidias profesionales, la realización personal o la amistad. Porque, como decía, nada llega a tener la fuerza ni la profundidad necesarias como para interesarnos.

Lo mejor, el reparto, sin duda. Pero en general, Late Night es una película pobre que demuestra la falta de creatividad y talento de la guionista, que está mucho mejor en su faceta de actriz.

Toc Toc

Dirección: Eli Roth.

Guión: Eli Roth, Nicolás López y Guillermo Amoedo.

Música: Manuel Riveiro.

Fotografía: Antonio Quercia.

Reparto: Keanu Reeves, Lorenza Izzo, Ana de Armas, Aaron Burns, Ignacia Allamand, Colleen Camp. 

Mientras su mujer (Ignacia Allamand) y sus hijos pasan el fin de semana en la playa, dos atractivas jóvenes (Lorenza Izzo y Ana de Armas) llaman a la puerta de la casa de Evan (Keanu Reeves). 

Toc Toc (2015) es una película sorprendente, con un toque diferente: aquí son las mujeres las que manipulan y abusan del hombre. Se puede valorar este cambio de roles y más porque, contra todo pronóstico, ellas consiguen dominarlo no una, sino un par de veces. Y el mérito está en que todo esto resulta creíble.

En cuanto al argumento, no creo que merezca la pena darle muchas vueltas. Se trata de dos jovencitas que entran en casa del protagonista y lo seducen, haciendo el amor con él. Después, regresan a la casa para castigarlo por haberse acostado con dos menores de edad (eso es mentira, pero es la baza que juegan ellas para evitar que las denuncie a la policía). A partir de ahí, Evan maniatado y sometido a un juego macabro con su vida como premio. 

No busquen un sentido a todo esto. Que ese par de psicópatas se dediquen a castigar a los hombres que se acuestan con ellas no parece tener una clara explicación, pero tampoco la película pretende darla. Podríamos pensar que solo se trata de un juego de Eli Roth donde ni siquiera queda claro que pretenda realizar una crítica a social o sexual. Si nos perdemos en búsquedas imposibles toparemos con un muro.

Tampoco el toque picante es demasiado evidente como para tenerlo en cuenta. Las pocas escenas con cierta carga sexual son breves y muy poco explícitas. En este sentido, creo que Roth desaprovecha el potencial de Lorenza Izzo y Ana de Armas, muy bellas las dos pero sin que el guión explote ese filón. Aquellos que vieron la película tentados por su presencia se llevarán una decepción.

Y es que, bien mirada, Toc Toc parece una película que se queda en la línea de salida: promete intriga, violencia y sexo y no ofrece nada de eso, al menos no en la justa medida.

Lo curioso, en mi caso, es que llegué a ponerme de parte de las chicas. No es que quisiera que Evan muriera, sería del todo excesivo, pero en un momento dado, cuando lo sueltan y le dan la oportunidad de escapar, temía que él terminara matándolas, lo que suele ser habitual en este tipo de propuestas. Y al menos en ese detalle, Toc Toc presenta un enfoque original.

Como pasatiempo, entretiene, aunque es verdad que nuestras expectativas nunca se ven recompensadas del todo. Vale para una tarde de cine sin complicaciones, pero sabiendo que detrás del envoltorio no hay gran cosa.